COUP DE COEUR

Sortie: 24 février 2010

> L'histoire: 1961. Angleterre. Jenny (Carrey Mulligan) a seize ans. Élève brillante et charismatique, celle-ci se prépare à intégrer Oxford. Jusqu'à ce qu'elle rencontre un homme deux fois plus âgé qu'elle, David (Peter Sarsgaard), l'embarquant dans une aventure qu'elle ne pouvait imaginer. Faisant son éducation par la découverte de la vie, à travers l'amour et la culture française...

Vers la fin de High Fidelity, John Cusak sillonnait sous la pluie les rues de Chicago à la recherche de Laura, son binome, écoutant à bord de sa petite voiture une incroyable chanson de Serge Gainsbourg. Dans Une éducation, c'est de Juliette Gréco que se délecte Jenny, jeune adolescente anglaise âgée de 16 ans. Entre eux, rien de commun si ce n'est un auteur, Nick Hornby, dont le premier film est l'adaptation d'un de ses livres, au commande ici du scénario. Allongée sur le sol de sa chambre, celle-ci se rêve à Paris, vivre pleinement et librement, loin de la rigidité d'un père trop ambitieux pour elle. Jenny est une élève brillante, promise à un avenir radieux dans les couloirs d'Oxford, travaillant inlassablement son latin et ses morceaux de violoncelle. Pourtant, celle-ci n'a rien d'une bêcheuse entêtée, fumant en cachette avec ses copines, parlant français dès qu'elle le peu, s'idéalisant en robe noir, les cils aussi allongés que Gréco. Jusqu'à ce qu'elle rencontre David, un homme deux fois plus âgé qu'elle, lui proposant une alternative plutôt alléchante à ce train train quotidien: faire son éducation non plus par l'école, mais par l'apprentissage de la vie. Exaltée par cette nouvelle option qui s'offre à elle, Jenny se laissera alors entraîner dans les tourbillons de la fête, de la mode et de l'amour, David lui ouvrant les portes de ses plus grands rêves, à commencer par un week-end parisien. La forçant à choisir entre ces deux avenirs qui s'offrent à elle: vivre pleinement ses rêves mais au dépend d'un homme ou continuer ses études afin de gagner son indépendance au profit du plaisir. Le début des années 60 ne proposant encore que peu d'alternatives aux femmes, Jenny devant faire le choix de se raccrocher à deux types de modèles féminins: une professeur et une directrice d'école complètement libres mais désespérement seules ou une mère ayant arrêté ses études mais vivant toujours avec le même homme.

Film de femmes pas forcément pour les femmes, Une éducation est ainsi une réflexion passionnante sur la place du sexe féminin dans la société anglaise des années 60 et ce poids du passé infligé aux plus jeunes filles. Obligeant Jenny a faire des compromis, elle qui souhaiterait vivre les deux sans qu'on lui coupe les ailes. Portée par une Carrey Mulligan divine, mutine, gracieuse et pétillante, resplendissant dans ses robes saillantes telle une Audrey Hepburn moderne, Une éducation nous embarque ainsi dans une séduisante et tourbillonnante aventure, à la découverte de la vie par l'éducation sentimentale, des contrées anglaises aux "quais du vieux Paris". Comme Jenny, on se laisse happer par l'excitation de toutes ces opportunités qui s'offrent à elle, prêtes à suivre partout ce séduisant David à qui Peter Sarsgaard insuffle une ambiguïté et un charme des plus troublants. Du scénario magnifiquement cynique de Nick Hornby, Lone Scherfig livre à ce titre un long métrage ravageur pour un élégant portrait d'adolescent, enchantant par son univers sixties et la personnalité hors du commun de son héroïne enivrante, petit bout de femme que l'on aurait toutes rêvées d'être... Ne laissez pas passer cette chance de la rencontrer !

> Golden Globes 2010: Nomination meilleure actrice dans un drame
> Bafta 2010: Meilleure actrice / Nominations meilleur film, meilleur film anglophone, meilleur réalisateur, meilleure adaptation, meilleur acteur dans un second rôle, meilleurs costumes, meilleurs maquillage et coiffure, prix du public
> Oscars 2010: Nominations meilleur film, meilleure actrice, meilleur scénario adapté

Crédit photo: Metropolitan FilmExport

COUP DE COEUR

Sortie: 24 février 2010

> L'histoire: 1954. Le marshal Teddy Daniels (Leonardo Dicaprio) et son coéquipier Chuck Aule (Mark Ruffalo) sont envoyés enquêter sur l'île de Shutter Island. Là-bas, un hôpital psychiatrique y héberge les criminels les plus dangereux du pays. L'une d'entre eux a disparu, Rachel Solando (Emily Watson). Ordre est donné d'y mené une enquête, sauf que sur Shutter Island, rien n'est jamais simple...

Attention: spoilers. Lire ou ne pas lire le Shutter Island de Dennis Lehane avant la sortie de l'adaptation ? Telle fut la question qui tourneboula "des milliers" de cinéphiles à l'annonce de l'arrivée du nouveau Martin Scorsese pour une interrogation plutôt récurrente, intervenant à chaque nouvelle transposition, de plus en plus nombreuses. Pour ma part, si le livre repose sur ma table de nuit depuis plusieurs mois, je ne l'ai jamais feuilleté, préférant conserver mon plaisir personnel quant à la découverte de cette histoire sur grand écran. Plongée dans le noir d'une salle de cinéma. Best-seller mondial pour long métrage signé par l'un des derniers géants d'Hollywood, Shutter Island est sans conteste le premier mastodonte de 2010, repoussé de plusieurs mois pour de sombres magouilles oscarisables. Dans tous les cas, le film est enfin là, prêt à nous dévoiler tous ses mystères, à nous embarquer dans une aventure humaine des plus déroutantes. Tout commence sur la proue d'un bateau, prisonnié d'une épaisse brume. Chuck y attend Teddy, son coéquipier, victime du mal de mer. Tous deux ont été réquisitionné pour mener une enquête sur l'île de Shutter Island où y sommeille un hôpital psychiatrique, regroupant les criminels les plus dangereux du pays. Considéré comme extrêmement sécurisé, l'hôpital a néanmoins vu s'échapper l'une de ses patientes, Rachel Solando, accusée d'avoir assassinée de sang froid ses trois enfants. De simples observateurs, Teddy et Chuck deviendront bientôt les témoins privilégiés et membres à part entière du centre, eux même coincés dans l'enceinte des suites d'une terrible tempête. Bienvenue à Shutter Island, lieu où la météo se fait le symbole des tourments de ses personnages, suivant la trajectoire de Teddy, prestigieux marshal rongé par un passé des plus lourds, mêlant disparition de son épouse et traumatismes de guerre, lors de la libération des camps de concentrations. Victime de migraines en pagaille, Teddy se verra lui-même hanté par les fantômes de son passé, tentant tant bien que mal de mener une enquête qui s'avèrera beaucoup plus compliquée qu'il ne l'imaginait. Rachel Solando semblant, tout simplement, s'être évaporée des murs de la prison... Donnant à voir une enquête des plus trépidantes, nous embarquant dans les tréfonds de cet hôpital psychiatrique, où suspense et sentiment de claustrophobie s'y mêlent à merveille.


Pourtant, dès les premiers plans du film, quelque chose semble profondément toquer dans ce Shutter Island, Martin Scorsese faisant preuve d'un amateurisme étonnant quant à la construction de son film. A l'image de ce pansement sur le front de Leonardo Dicaprio, semblant comme par enchantement avoir changer de place. Ou ses multiples faux raccords, passant d'un plan sur Mark Ruffalo, un verre dans la main, à un Mark Ruffalo, la main et le verre sur la table. Papi Scorsese devrait-il prendre sa retraite ? C'est du moins la question que l'on peut se poser dès les premières minutes du film, nous obligeant à nous concentrer en permanence sur l'image, parfois au dépend même du récit. Un faux raccord, deux puis trois et une autre question nous vient alors en tête, Martin Scorsese étant Martin Scorsese, celui-ci n'aurait-il pas tout simplement construit son film sur une mise en scène volontaire de faux raccords, créant un véritable sentiment de paranoïa chez le spectateur. Alors, quand arrive la scène du verre d'eau où, pendant un interrogatoire, Mark Ruffalo tend un verre à une patiente, que celle-ci se met à le boire sans rien avoir dans la main, avant de reposer un verre sur la table, la question ne se pose même plus. Le cinéaste jouant consciemment avec les nerfs du spectateur, prêt à se demander si il n'aurait pas lui-même imaginé ce qu'il vient de se passer à l'écran. Là est la force première de Shutter Island, Martin Scorsese s'amusant à brouiller les pistes mêmes de son intrigue par une mise en scène d'une clairvoyance hallucinante, nous mettant nous-même à la place de cet inspecteur, en pleine crise d'hallucination. Une fois le mécanisme perçu, la mise en scène se fera alors d'une drôle de limpidité, à l'image de cette séquence de "révélation" entre Leonardo Dicaprio et Michelle Williams. On aperçoit la belle sur un banc, face à un étang vide, puis, à nouveau, face à un étang empli de canards dont l'on sait pertinemment qu'ils disparaîtront le plan d'après. Bingo. Le film jouant volontairement des apparitions et disparitions, du dédoublement d'un geste d'un plan à un autre, créant des propres fantômes à un spectateur victime de l'intelligentsia d'un Scorsese en très grande forme.


S'appuyant sur une mise en scène des plus folles, le cinéaste en vient dès lors à jouer avec son propre récit. Difficile de ne pas se douter de la probable maladie de Leonardo Dicaprio dès son arrivée sur l'île, le film arrivant après Fight Club, Fenêtre secrète ou autres oeuvres sur la skizophrénie, nous forçant à nous poser la question dès les premières minutes. Ce qui viendra se conforter au fur et à mesure. Et pourtant... Et si cette thématique de la maladie n'était pas justement le plus facile, Martin Scorsese appuyant constamment - lourdement ? - sur les troubles psychologiques du personnages, hanté par la voix douce de sa femme décédée - superbe séquence de la désintégration, à couper le souffle. Et si Shutter Island n'était pas au contraire la chronique d'un complot annoncé... Car alors que Leonardo Dicaprio en vient à penser qu'une conspiration se joue entre les murs de l'hôpital, menée tambour battant par un directeur et un médecin des plus énigmatiques, le film, dans ses grandes lignes, se chargera de classer le dossier à coup de gros sabot, lors d'une séquence des plus démonstratives - élucidation des anagrammes comprise. C'est là que la mise en scène de Martin Scorsese entre en jeu, venant considérablement à l'encontre du récit. Le film lui-même s'interrogeant sur la thématique de la croyance. Peut-on encore croire un personnage quand celui-ci a fait une crise de folie une fois ? Peut-on croire tout ce que nous montre un cinéaste ? Car alors qu'une séquence explicative vient à nous éclaircir la situation - quelle est la vraie mort de son épouse ? Quel est le fin mot de l'histoire ? -, la construction même de celle-ci vient à en dire le contraire. Par l'apparition et la disparition même des canards évoqués précédemment. En construisant une séquence dite "véridique" sur des faux raccords, Martin Scorsese en vient à nous interroger sur le pouvoir des images et la vraisemblance de celles-ci. Pourquoi cette séquence serait-elle plus vraie qu'une autre - les hallucinations de Teddy autour de Rachel Solando - puisqu'elle est elle-même faussée ? D'où la triple interprétation possible de la séquence finale, nous montrant Leonardo Dicaprio et Mark Ruffalo discuter sur les marches avant que le premier ne les descende, se jettant dans les bras des médecins, prêt à lui faire un lavage de cerveau.


Si le livre se terminait - apparemment - sur la boucle sans fin de la maladie de Teddy, celui-ci replongeant dans ses délires, revenant au point de départ de sa thérapie, le film lui propose une multiplicité de fermetures, Scorsese ayant toujours affirmé ne pas vouloir adapter fidèlement un livre mais en extraire l'essence. Retour à la case départ, il y a donc dans Shutter Island... A moins que Teddy ne soit guérit et préfère se suicider plutôt que de vivre plus longtemps sur l'île, comme nous l'exhorte le cinéaste lors d'un échange final à double sens. A moins, sinon, que Teddy ait raison depuis le début, se sacrifiant volontairement afin de prouver la véracité de son raisonnement, celui-ci étant dès lors conduit au phare, monument même où il affirmait qu'il était le lieu d'expériences peu éthiques. Teddy partant alors pour un lavage de cerveau en règle... Dans tous les cas, difficile de faire toute la lumière sur cette affaire, Martin Scorsese laissant l'opportunité au spectateur de choisir son camp, selon sa lecture de l'oeuvre. Là est la marque d'un grand film, Shutter Island apparaissant instantanément comme une grande claque, porté par un casting des plus incroyables, capable de vous faire passer d'une émotion à une autre, de vous balader sans que vous vous en rendiez compte. A ce titre, Martin Scorsese aura réussit l'exploit de me rendre littéralement folle de bout en bout, me poussant à me poser toujours plus de questions quant à la symbolique de sa mise en scène. Et si je ne prétends pas avoir la science infuse quant à l'interprétation de l'oeuvre, j'espère au moins que cette critique vous donnera envie, sinon de revoir le film, du moins d'y repenser sous un autre angle !

1. Leonardo Dicaprio: Les Noces rebelles
2. Mark Ruffalo: Une arnaque presque parfaite / Max et les maximonstres
3. Michelle Williams: Synecdoche New York / Wendy and Lucy
4. Emily Mortimer: City Island
5. Jackie Earle Haley: Watchmen - Les Gardiens
6. Patricia Clarkson: Whatever Works

> Berlinale de Berlin 2010: en compétition

Crédit photo: Paramount Pictures France

Sortie: 17 février 2010

> L'histoire: Alexandre (Joffrey Verbruggen) a quinze ans et vit seul avec son père (Thierry Hancisse). Pris entre les coups et la violence, celui-ci trouve refuge dans son sport favori, la régate, avec lequel il espère remporter les championnats de Belgique. Trouvant soutien auprès de son entraîneur, Sergi (Sergi Lopez), et Murielle (Pénélope Levêque), la fille dont il est amoureux.

Premier film du cinéaste belge Bernard Bellefroid, La Régate, sorte de chronique adolescente sur fond d'aviron et de violence domestique, avait tout pour emballer. Une ambiance dépressive, portée par la musique pop aérienne de Claudine Muno & The Luna Boots. Un cadre naturel et inédit. La présentation d'un sport plutôt innovant. Alexandre est un garçon comme les autres, vivant pour la régate et les filles. Mais victime d'une blessure à la cuisse, celui-ci dû se couper du monde pendant plusieurs mois, se mettant à dos son entraîneur dont il est l'un des jeunes poulains. Alternant entre séquences familiales assez tendues entre un père bourru et ce fils prodige et des entraînements toujours plus physiques, Bernard Bellefroid fait le judicieux choix de laisser parler l'image plutôt que les personnages. Et en imposant une raideur intense au sein du foyer familial et une véritable tension entre Alexandre et son père Thierry, le cinéaste n'a nul besoin de sous-titres pour expliciter la situation, faisant preuve d'une réelle subtilité. Jusqu'à ce que Thierry se félicite d'avoir planter son fils d'une fourchette, écrasant toute la délicatesse des premières scènes. Sans plus aucune limite, Bernard Bellefroid se laissera alors doucement glisser dans la tentation de mettre toujours plus en scène la violence domestique, laissant d'abord les coups en hors champ avant de les mettre en avant par facilité. Répétant inlassablement le même schéma, suivant un Alexandre de dos ouvrir la porte de chez lui avant de se faire littéralement agressé, physiquement comme mentalement, par un paternel sur le qui-vive. Une fois, deux fois et l'on se dit que tout ça est plutôt maladroit, trois fois, quatre fois et le tout nous semble particulièrement racoleur.... Laissant la drôle d'impression d'un ensemble plutôt raté.


Car alors que La Régate s'annonçait plutôt prometteur, le film laisse au contraire rapidement apparaître un manque de demi-mesure. Le cinéaste n'hésitant pas à aller au bout du cliché à chacune de ses séquences, quitte à créer des coupures brutales d'une scène à une autre. Des entraînements de régate au stage intensif aux airs de colonies de vacances, le cinéaste fait le choix d'une mise en scène plutôt enjouée, saupoudrée d'une B.O proche d'un "We are young" de Supergrass. Préservant une certaine aération du récit, misant sur les instants types d'un film adolescent, des premiers bisous à la première fois. Avant de passer dans l'excès inverse lors des retours à la maison. Et dans ce melting-pot d'ambiance, impossible de s'attacher à ce personnage principal, maladroitement interprété par un Joffrey Verbruggen peu charismatique, laissant dès lors le champ libre à un Sergi Lopez charmant en entraîneur confiant. Premier essai plutôt loupé, La Régate révèle ainsi malheureusement vite ses limites, passant peu à peu de film gauche à un long métrage terriblement agaçant et convenu, se concluant par un panneau explicatif à l'image du film. Dommage.

1. Sergi Lopez: Ricky / Partir / Les Derniers jours du monde / C'est ici que je vis

Crédit photo: Pyramide distribution

Sortie: 10 février 2010

> L'histoire: Suite à la disparition de son frère, Lawrence Talbot (Benicio del Toro), aristocrate et acteur professionnel, revient au domaine familial, retrouvant son père acariâtre (Anthony Hopkins). Prêt à tout pour faire toute la lumière sur cette disparition, Lawrence découvrira alors un secret, dépassant toutes les lois de la nature...

Ayant fait les beaux jours de la Universal dans les années trente, du Dracula de Tod Browning à L'homme invisible de James Whales ou la série des "Frankenstein" du même réalisateur, les films de monstres ont toujours fait partie intégrante de l'histoire du cinéma. Évoluant au fil des ans, au fil des événements historiques - comme tente de l'expliquer Andrew Monument dans son documentaire Nightmare in Red, White and Blue, the Evolution of the American Horror Film, présenté au festival de Deauville. Quoi de mieux alors pour le studio que de revenir à une recette qui marche, surfant sur la vague de la réactualisation des mythes fantastiques. Wolfman, comme son nom l'indique, remettant au goût du jour la figure du loup-garou. Tout commence dans un Londres du XIXème siècle. Lawrence Talbot, acteur professionnel, y interprète Hamlet devant un parterre de foule... sans se douter un instant que son frère puisse être en danger. Pourchassé dans la forêt par une créature aussi mystérieuse que mortelle, celui-ci se fera rapidement dépecé, invitant Lawrence à revenir enquêter sur sa terre natale. En quelques scènes, Joe Johnston, papa, entres autres, de Jumanji ou Jurassic Park 3, arrive à imposer une atmosphère inquiétante et tendue, jouant sur le clair/obscur de cette forêt sombre, éclairée par le scintillement d'une lune décidément bien pleine. Dès cette première scène particulièrement prenante, Wolfman en arriverait presque à nous prendre de court, annonçant à son insu un film plutôt encourageant pour un tournage qui fut, par ailleurs, particulièrement houleux (désaccord du studio quant au montage final, démission du cinéaste Mark Romanek pour des différents artistiques...).


S'appuyant sur les bases d'une mythologie gitane, Joe Johnston reprend d'abord à son compte la méthode "Jacques Tourneur", laissant la créature dans l'ombre, usant savamment du hors-champ, jouant sur les apparitions furtives et rapides et le hurlement glaçant du loup. Créant instantanément un suspense implacable, à l'instar de cette attaque d'un camp de bohémiens. Jusqu'à ce que Lawrence soit lui-même blessé et transformé en loup-garou, amenant le film dans une toute autre direction. S'attachant dès lors au point de vue de son personnage principal, donnant à voir la moindre modification de son corps. Obsédé par la description de la transformation progressive de Lawrence, aussi bien émotionnelle que physique, s'appuyant sur un usage pointu des effets spéciaux (Joe Johnston ayant, entre autres, travaillé sur les effets visuels des premiers Star Wars), le film en perd dans le même temps de sa superbe. Le frisson laissant place à la romance et le conflit éthique convenus, les attaques aux courses poursuites anodines, le loup-garou passant du bourreau à la victime. Et dans ce défilement d'actions et de réflexions particulièrement attendues, le film se fait lui de moins en moins intéressant, au point d'en devenir bientôt d'un ennui poli. Et ce n'est pas cette confrontation finale, prometteuse mais beaucoup trop conventionnelle, qui viendra relever le niveau. Si Wolfman avait ainsi tout pour associer divertissement grand guignol et mythologie cinématographique, il en ressort au contraire une oeuvre extrêmement plate et anodine, peu sauvée par son casting pourtant quatre étoiles, à commencer par un Benicio del Toro ne jouant que de son physique animal. Dommage.

1. Benicio del Toro: Che - 1ère partie: L'Argentin
2. Emily Blunt: Sunshine Cleaning / Victoria, les jeunes années d'une reine

Crédit photo: Paramount Pictures France