COUP DE COEUR

Sortie: 24 février 2010

> L'histoire: Adèle (Valérie Donzelli), trentenaire, se retrouve complètement déboussolée lorsque Mathieu (Jérémie Elkaïm), l'amour de sa vie, en vient à la quitter. Anéantie, elle se réfugie chez sa cousine Rachel (Béatrice de Staël) qui accepte de l'héberger chez elle. Bien décidée à lui faire sortir la tête du trou, celle-ci tente de lui redonner goût à la vie en lui donnant le meilleur conseil possible afin de l'oublier: coucher avec d'autres hommes pour désacraliser cette histoire !

Découvert, par hasard, lors d'un festival dédié aux longs métrages européens, La Reine des pommes, premier film en tant que réalisatrice de l'exubérante Valérie Donzelli, m'est instantanément apparu comme une véritable bouffée d'air frais dans une compétition très centrée sur les drames en tout genre. La réalisatrice / actrice / scénariste donnant à voir une sorte de vaudeville moderne où Adèle, trentenaire parisienne, se fonderait parfaitement dans la masse en alter-égo de Bridget Jones. Voguant d'homme en homme dans l'espoir d'oublier celui qui lui brisa le coeur. Sauf qu'Adèle n'est pas vraiment quelqu'un que l'on pourrait qualifier d'avoir les pieds sur terre, se lançant toujours à coeur perdu dans de nouvelles aventures, bercée par une naïveté des plus touchantes. Passant des bras d'un étudiant à ceux d'un bourgeois marié et quelque peu obsédé sur les bords ou d'un inconnu particulièrement troublant et fantasque. Soutenue par sa cousine Rachel, directe mais toujours de bons conseils, cachant son oeil malade ressemblant à une méduse derrière ses lunettes noires, Adèle se retrouvera alors dans des situations toujours plus abracadabrantes, de plus en plus gigantesques. Glissant d'un parc parisien à une délicate posture contre un volant de voiture ou une cité universitaire. Réservant son lot d'événements explosifs et hilarants, proposant une réflexion sur les rapports amoureux qui, sous-couvert de légèreté, se révèle plutôt intelligente. A l'image de cet échange de sms virulents que l'on se voit, comme Adèle, déjà envoyé.


Muni d'un budget ridicule, entouré d'un casting de seconds rôles que l'on imagine constitué de proches - des cinéastes Gilles Marchand, Serge Bozon ou Dominik Moll à l'actrice / réalisatrice Lucia Sanchez, qui fut pour l'anecdote l'une de mes profs de fac -, Valérie Donzelli palie son manque de moyens par une inventivité à toutes épreuves, aussi bien en terme de mise en scène que scénaristiquement. Donnant à Jérémie Elkaïm les traits de tous les premiers rôles masculins du film, le laissant enfiler son imperméable et ses petites lunettes pour incarner Jacques, sa marinière pour Pierre, son sweat à capuche pour Paul. Un procédé de mise en scène d'où découlera, aussi par la suite, une médiation judicieuse sur l'impossibilité de se défaire du visage de l'être aimé. D'une simplicité apparente, par l'utilisation d'une caméra dv, d'un format 4/3, de la réduction de l'éclairage ou le dépouillement de l'intrigue - Pierre, Paul et Jacques -, en résulte une liberté de ton incroyable, jouant à la fois sur la folie des situations et un art stupéfiant de la réplique. Que ce soit lors des dialogues - "Vous c'est votre sperme qui déconne, moi c'est mon oeil. Chacun son boulet" - aux passages chantés, écris en collaboration avec le grand Benjamin Biolay - "J'aimerais mourir, assassinée comme une héroïne d'Hitchcock par un amant qu'elle aimait tant". Perle d'humour, comédie loufoque et rafraîchissante, La Reine des pommes est ainsi sans conteste le film idéal en cas de coup de blues. Un long métrage pétillant, drôle et bouillonnant dont on ne veut plus jamais se défaire.

Crédit photo: Shellac

COUP DE COEUR

Sortie: 27 janvier 2010

> L'histoire: Né de l'amitié entre l'actrice Jeanne Balibar, l'ingénieur du son Philippe Morel et le cinéaste Pedro Costa, Ne change rien suit à la trace l'expérience musicale de cette première. Des répétions aux enregistrements, des concerts aux cours de chant lyrique...

Non pas que Wikipédia soit une source particulièrement fiable - bien au contraire -, la définition qu'ils donnent du documentaire m'a paru tout à fait intéressante: "En général, cette catégorie filmique se fixe pour but théorique de produire la représentation d'une réalité, sans intervenir sur son déroulement, une réalité qui en est donc a priori indépendante." Genre ultra éclectique dans ce doux monde de l'industrie cinématographique, le documentaire s'est depuis toujours construit à la fois en marge et en parallèle de la fiction. Passant de la caméra participative de Robert Flaherty à celle masquée de Dziga Vertov et son ciné-oeil, du cinéma-vérité de Jean Rouch à la manipulation médiatique façon Michael Moore. Noyé sous des années de références et de préceptes en tout genre, difficile alors de classer ce nouveau Pedro Costa ? Peut-être tout simplement parce que celui-ci ne répond à rien, rejetant l'appellation même de documentaire. Filmant par brides la création de l'album de l'actrice Jeanne Balibar, de ses répétitions à l'enregistrement même. Refus de se laisser cataloguer ou enfermer dans un genre quelconque, de participer au déroulement de l'action, de proposer un récit pur, Ne change rien est une proposition de cinéma particulièrement inventive, Pedro Costa s'en remettant à cet objet qu'il connaît comme sa poche, sa caméra. La posant dans le coin d'une pièce, dans l'attente de la petite étincelle...


Film minimaliste pour projet brillant, Ne change rien se construit avant tout comme une oeuvre usant de la répétition. Donnant à voir, inlassablement, une Jeanne Balibar en prise avec les mots, avec le rythme, travaillant d'arrache pied à la conception de cet album. Filmée inépuisablement dans un noir et blanc incroyablement étudié. Il faut dire que Pedro Costa est le roi quant il s'agit de créer de véritables tableaux vivants, Ne change rien revenant au fondement même d'une caméra, concevoir des images. Véritable ovni cinématographique, proche de l'expérimentation plus que de l'expérimental, le dernier Pedro Costa se révèle une expérience sensorielle des plus déroutantes. On est émerveillé par la beauté des plans, rappelant à l'esprit les plus grands polars américains de ce magnifique jeu des clairs / obscurs, bercé par la voix envoûtante et lancinante de Jeanne Balibar, touché par la fragilité qui transparaît de l'actrice. Sans jamais intervenir sur son récit - il ne change, pour ainsi dire, rien ! - le cinéaste se métamorphose en petite souris, filmant, discrètement, tout ce qui se passe autour de lui. Donnant à voir l'acte créateur en direct live alors qu'il est lui-même en train de créer son film propre. Réflexion sur l'artiste, Ne change rien se pose véritablement comme témoin de la fabrication d'une oeuvre. Des longues répétitions d'un texte de théâtre, d'un chant lyrique où chaque mot, chaque intonation viennent à compter à la recherche d'un rythme parfaitement adapté au texte d'une chanson à venir. Montrant toute la difficulté et la violence nécessaires à la fondation d'un projet. Devant sa caméra, on y découvre une Jeanne Balibar emprunt au doute et à l'inquiétude, bien loin de ces personnages loufoques auxquelles on voudrait souvent la réduire. Portrait d'une femme, dissection d'une création artistique, c'est fou ce que Ne change rien peut raconter en si peu d'effets et de moyens, faisant de ce film un bel essai cinématographique. Bien loin de tout ce qui peut sortir au même moment sur nos écrans. Un grand coup de coeur.

> Festival international de Cannes 2009: La Quinzaine des réalisateurs
> Festival Cinessonne 2009: en compétition

Crédit photo: Shellac

COUP DE COEUR

Sortie: 16 décembre 2009

> L'histoire: Grégoire Canvel a tout pour lui. Une femme qu'il aime, trois enfants délicieuses, un métier qui le passionne. Il est producteur de films. Révéler les cinéastes, accompagner les films qui correspondent à son idée du cinéma, libre et proche de la vie, voilà justement sa raison de vivre, sa vocation. Grégoire y trouve sa plénitude, il y consacre presque tout son temps et son énergie. Hyperactif, il ne s'arrête jamais, sauf les week-end qu'il passe à la campagne en famille : douces parenthèses, aussi précieuses que fragiles. Avec sa prestance et son charisme exceptionnel, Grégoire force l'admiration. Il semble invincible. Pourtant sa prestigieuse société de production, Moon Films, est chancelante. Trop de films produits, trop de risques pris, trop de passifs; les menaces se précisent. Mais Grégoire veut continuer d'avancer, coûte que coûte. Jusqu'où cette fuite en avant le conduira-t-il ? Un jour, il est obligé de voir la réalité en face. Alors surgit un mot : l'échec. Et une grande lassitude, qui va bientôt, secrètement, prendre la forme du désespoir.

Repérée il y a près de deux ans avec Tout est pardonné, Mia Hansen-Love fait partie de cette jeune génération de réalisatrices françaises renouvelant un paysage cinématographique jusqu'alors très masculin. Elle qui se place aux côtés de Lola Doillon ou autres Céline Sciamma dont on a pu découvrir les premiers longs métrages a une période similaire et dont on attend la suite avec une impatience non dissimulée. Une chose faite, donc, pour Mia Hansen-Love dont Le Père de mes enfants marque la deuxième réalisation. Elle y suit le personnage de Grégoire Canvel, un producteur de films comme on aimerait en avoir plus, accompagnant la création d'oeuvres aux budgets limités, aux réalisateurs obscurs et sujets divers, mais néanmoins indispensables à la diversité du septième art. Un "héros" ordinaire, en somme, nous plongeant dans les coulisses d'un autre versant de l'industrie cinématographique où l'amour se mêle à l'art et l'art à l'argent... Car, face à la réalité économique et les changements profonds de la distribution, de l'exploitation ou du rapport qu'entretient le public avec le cinéma, Grégoire est un de ces derniers résistants face à la mutation de ce système, croyant encore à la possibilité de proposer autres choses. Mais pour combien de temps ? S'inspirant du fait divers autour du suicide d'Humbert Balsan, producteur, entre autres, de Claire Denis ou d'Elia Suleiman, Mia Hansen-Love dresse ainsi le portrait d'un homme à part, des bureaux parisiens aux plateaux de tournage perdus en pleine nature. Filmant sa passion et son acharnement à toute épreuve, quitte à sacrifier sa vie de famille. Car alors que le film aurait pu exclusivement se centrer sur cette trame scénaristique, la cinéaste dévie lentement de son objet principal, passant de la sphère publique à celle privée, de l'homme de terrain au père de famille. Mettant alors l'attention sur les siens.


Habilement scindé en deux parties, autour d'un avant et d'un après, Mia Hansen-Love s'applique dans un premier temps à restituer la complexité de cette famille en apparence disloquée mais, en réalité, on ne peut plus soudée. Des week-end à la campagne ou autres vacances en Italie. Peu présent au quotidien, Grégoire semble néanmoins faire office de pilier central de l'édifice, lui que l'on attend même aux heures les plus tardives pour réaliser un petit spectacle. Avec émotion et subtilité, la cinéaste donne alors à voir la chute progressive de cette figure paternelle, tombant peu à peu de son pied d'estale. Celui que l'on croyait invincible devenant bientôt celui que l'on doit porter et soutenir, jusqu'à sa disparition la plus totale. Brutalement. Sans prévenir. Dès lors, Le Père de mes enfants se mute en une déclaration d'amour intense et sensible, autour de ce travail du deuil et le pouvoir qu'est la transmission. A travers le transfert d'une passion ou d'un amour du métier, passant désormais d'une génération à une autre. De secrets, plus ou moins enfouis, aussi. Porté par Louis-Do de Lencquesaing et la révélation Alice de Lencquesaing, Le Père de mes enfants est ainsi une oeuvre délicate et forte, particulièrement réaliste quant il s'agit de traiter de cette entité universelle qu'est la famille. Et si l'on peut regretter quelques dialogues trop écrits, parfois, il n'en reste pas moins une des plus belles surprises de cette fin d'année, douce, fragile et poignante.

Crédit photo: Les Films du losange