Sortie: 16 janvier 1959 / 01 juillet 2009

> L'histoire: 1944. Alors qu'il revient dans sa ville natale pour une permission de trois semaines, Ernst Graeber, jeune soldat allemand envoyé sur le front russe, rencontre Elisabeth Kruse, dont il tombe amoureux. Mais la guerre qui continue va bouleverser leur histoire...

Hiver 1944. La guerre fait rage sur le front russe où les soldats allemands s'y enfoncent toujours un peu plus. Exécutant des ordres sans comprendre. Abattant quelques civils pour le bon vouloir des supérieurs. Parmi eux, Ernst Graeber, dont la perme de trois semaines tombera à point nommé. Il est bien décidé à profiter de la vie dans la plus grande insouciance. Bien décidé à oublier et à laisser de côté  les champs de bataille. Sauf que la guerre, elle, a depuis longtemps rongé les villes et que l'utopie ne durera qu'un temps. A peine rentré chez lui, Ernst ne retrouvera qu'une maison ravagée, détruite par les multiples bombardements des alliés. A la recherche de ses parents, il rencontrera alors Elisabeth Kruse, une jolie jeune femme résolue à ne pas se laisser happer par ce climat ambiant de peur. A continuer à vivre malgré les bombes et l'oppression des autorités... Considéré par les historiens du cinéma comme "le prince du mélodrame", Douglas Sirk, avec Le temps d'aimer et le temps de mourir, adapte le roman d'Erich Maria Remarque, livrant une incroyable histoire d'amour sur fond de deuxième guerre mondiale en montrant, de façon optimiste, comment la renaissance est toujours possible malgré l'horreur et la destruction. Un grand drame propre à l'âge d'or hollywoodien, mettant en scène un couple d'acteurs terriblement attachants, John Gavin et Lilo Pulver.


La force de ce long métrage tient de cet espace-temps réduit dans lequel gravitent Ernst et Elisabeth. Le jeune soldat n'a ainsi que quelques semaines avant de repartir au front. En somme, plus que trois petites semaines à vivre, prenant dès lors l'allure d'une vie entière, brusquant de ce fait la tournure des évènements. Ainsi, Douglas Sirk donne à voir un morceau de vie accélérée, de la rencontre au coup de foudre, du coup de foudre au mariage. L'histoire en marche ne donnant pas le temps de se poser de questions. Avec brio, Le temps d'aimer et le temps de mourir suit donc ce petit couple et ses efforts pour profiter des instants qui leurs sont donnés. Cherchant par tous les moyens à oublier la guerre, quitte à s'habiller chic, fréquenter clandestinement un restaurant luxueux ou à piquer quelques bouteilles d'un champagne bien trop rare. Sauf que les bombardements, eux, ne s'arrêtent pas, les ramenant toujours brutalement dans la réalité. Bientôt, Ernst devra repartir au front, accomplir ce devoir de soldat dont il ne voit plus l'utilité. Car, à travers cette histoire, Douglas Sirk s'intéresse ainsi à montrer comment l'institution étatique écrase l'homme ordinaire. Et si la dictature nazie n'est pas abordée complètement de front - évocation des camps de concentrations et de la persécution sur les juifs -, ces trois semaines seront pour Ernst l'occasion d'une prise de conscience radicale, lui qui ne sera plus prêt à accomplir les ordres qu'on lui donne sans rechigner. Ainsi, Le temps d'aimer et le temps de mourir est un film à grand spectacle comme seul Hollywood savait le faire à l'époque, tourné en format cinémascope, mêlant la grande et la petite histoire, la seconde guerre mondiale, la naissance d'un amour et le retour probable du printemps. Une oeuvre qui, si elle peut paraître un peu kitch au niveau de certains dialogues, n'a en rien perdu de son charme, même cinquante ans après.

Crédit photo: Ciné Sorbonne

> L'histoire: Dans un bourg italien près de la mer, à l'heure du fascisme triomphant, les enfants traînassent, cherchant des victimes pour leurs blagues innocentes. L'un d'eux va connaître, en l'espace d'une année, une série d'expériences tour à tour drôles, savoureuses et poignantes.

Si Fellini donne à son film le nom d'Amarcord, c'est qu'il signifie en patois "Je me souviens" et colle parfaitement à l'atmosphère de cette oeuvre emplie de nostalgie. Nous sommes dans les années 30, au sein d'un petit village italien qui semble coupé du monde. Un endroit idéal pour le réalisateur qui y plante un nouveau chapiteau de cirque imaginaire où les habitants deviennent alors, sous nos yeux, de véritables forrains. L'occasion pour lui de dresser le portrait d'une époque, entre insouciance et réalité d'un régime fasciste bien ancré dans les mentalités.

Le film suit les tribulations de Titta, un adolescent agité, en plein éveil sexuel, et de tous les joyeux lurons qui gravitent autour de lui. Il y a d'abord sa famille, au bord de l'explosion, entre un père colérique, un oncle collabo et une mère qui jure de tous les tuer. Les copains, ceux avec lesquels il fait les 400 coups, au propre comme au figuré, tant l'oeuvre de Fellini retrouve l'innocence et la liberté de celle de François Truffaut. Les profs, ensuite, tous plus caricaturaux les uns que les autres, vantant sans cesse les mérites du régime en place. La Gradisca, enfin, ce fantasme de tous, sorte d'hybride de la femme fatale mais qui ne rêve, en réalité, que de mariage. Et puis, il y a tous les autres, ceux que l'on ne reconnaît que par des surnoms: le marchand ambulant mythomane, l'accordéoniste aveugle, la fille sauvage... Autant de personnages que Fellini expose dans les rues de la ville, les transformant, parfois, en monstres de foires. La démesure de leurs caractéristiques physiques prenant plus de place que leurs personnalités. Que ce soit les seins de la buraliste ou les fesses rebondis des femmes, moulées dans des vêtements serrés.


Tous cohabitent ainsi, au rythme des célébrations et autres fêtes du village. Comme enfermés dans une bulle colorée où rien ne pourrait les atteindre. Lorsque les aigrettes virevoltent dans les airs, annonçant l'arrivée du printemps, on se rassemble sur la place publique pour brûler une sorcière de paille. Tandis que les pétards claquent, les femmes s'exposent et les hommes blaguent entre eux. L'atmosphère est bonne enfant. Trop, peut-être même, comme dans un lointain souvenir qu'un vieux garçon chercherait à se remémorer. Le temps passe, la saison avec. L'heure est à nouveau à la fête, les habitants ressortent de leurs placards leurs chemises noires. Nous sommes dans l'Italie fasciste. La force de l'oeuvre de Fellini est de faire du fascisme et du régime politique une toile de fond invisible qui apparaît sur le devant de la scène de manière inattendue, créant une drôle d'opposition entre l'insouciance et la joie de ses habitants et la réalité historique, passée ici sous silence. Car du régime fasciste, Fellini ne montre volontairement que l'aspect festif afin de rendre compte de la naïveté dans laquelle vivait ce village. Lors de leurs fêtes, tournées au ridicule par la virtuosité de la mise en scène, Mussolini apparaît sous forme de couronne de fleurs et donne son approbation au mariage fantasmé d'un des adolescents. 99% de la population est adhérante au régime, tout semble aller dans le meilleur des mondes. Du moins, en apparence, car quand résonne l'internationale communiste du haut de l'église, les autorités ne savent pas comment réagir, si ce n'est d'ouvrir le feu et de torturer le dernier pourcent qu'il reste. Soit, le père de Titta.


Il y a, chez Fellini, une volonté de mettre en avant la démesure et la décadence du régime et l'infantilisation que subissait la population dans le but de rendre la critique plus mordante. Car quand un faux pas arrive, un syndrome bipolaire prend alors la ville en grippe, qui réagit d'abord excessivement avant de tout oublier par le divertissement. C'est un message heureux relayé par le cinéma. La célébration des symboles du pouvoir, comme le Rex, immense paquebot représentant la puissance économique de l'Italie... Une insouciance que Fellini écorche progressivement, le temps amenant toujours son lot d'événements. Car, aussi rose que peut-être la bulle dans laquelle vivent les habitant, les malheurs frappent et les changement se révèlent inévitables. Alors quand vient l'heure des nouvelles aigrettes, bouclant ainsi le cycle des saisons, la chronique douce se fait lentement amère, les habitants prenant peu à peu conscience que rien ne sera plus jamais comme avant. Peut importe les efforts pour. La gradisca se marie, brisant les rêves éveillés de tout les adolescents. Et tandis que le village nous dit au revoir, Tita, lui, est déjà parti, comme résigné par tout ce qui se passe autour de lui. Lorsque le générique fait son apparition, l''arrière goût aigre se transforme en une agréable sensation, celle d'avoir vécu un grand moment de cinéma, bercé par la célèbre musique de Nino Rota.

> Oscars 1976: nomination meilleur réalisateur

Source image: allociné

Sortie: 10 décembre 2003

> L'histoire: Isabelle et son frère Théo, restés seuls à Paris pendant les vacances de leurs parents, invitent chez eux Matthew, un étudiant américain. Dans cet appartement où ils sont livrés à eux-mêmes, ils vont fixer les règles d'un jeu qui les amènera à explorer leur identité émotionnelle et sexuelle. Au fil des heures, la partie s'intensifie, les sens et les esprits s'exacerbent.

Le printemps est arrivé. Les amoureux sont de sortie. Les étudiants aussi, banderoles à la main, manifestant en faveur d'une révolution sociale et culturelle. Nous sommes en 1968. Devant la cinémathèque française, ils protestent contre le renvoie de Langlois, Jean-Pierre Léaud en tête, mégaphone à la main. C'est là que Matthew, un étudiant américain, rencontrera Isabelle et Théo. Ensemble, ils feront leur propre révolution, sexuelle, loin du brouhaha de la rue. Au premier abord, mai 68 semble pour Bernardo Bertolucci n'être qu'un prétexte à une histoire de libertinage incestueux. Le réalisateur passe en effet de la sphère publique et son aspect "cinéma-vérité" à la sphère privée où va se jouer un drôle de huis clos. Ces ados, au départ si actifs, se transformant en beaux parleurs, préférant les débats animés, et finalement insignifiants, à l'action réelle. On passe de l'histoire à l'intime, comme le disait Philippe Garrel à propos de son propre film, Les amants réguliers. Cloîtrés dans ce bel appartement, ces trois là vont refaire le monde à leur façon, découvrant la jouissance de la liberté - absence des parents - mais aussi, de la sexualité. Comme à son habitude, Bertolucci provoque, cassant les codes du triangle amoureux - notamment celui de la Nouvelle vague et Jules et Jim - en intégrant le thème de l'inceste entre frère et soeur. Le malaise se fait souvent sentir. Le dégoût aussi, le réalisateur n'épargnant pas le spectateur par des séquences volontairement scabreuses et peu reluisantes. Et pourtant...


Pourtant, le film ensorcelle, charme par sa liberté de ton. Matthew, Isabelle et Théo sont des cinéphiles, vivant éternellement des images pleins la tête. L'identification est immédiate. Le réalisateur s'amuse en intégrant des séquences de films classiques, nous demandant expressément de participer à l'action. Comme les personnages, on se prend immédiatement au jeu, devinant les films qui se cachent derrière les séquences, reconnaissant avec plaisir la danse de Fred Astaire dans Top Hat, la fusillade de Scarface ou le repas de mariage dans Freaks. Un jeu à double tranchant puisqu'il distrait autant qu'il interpelle. Car en passant leurs temps dans les salles obscures, ces trois là en auraient presque oublier de devenir les héros de leur propre vies, préférant imiter leurs personnages favoris plutôt que d'agir pour et par eux-mêmes. Sur bien des points, Bertolucci n'est pas tendre avec le cinéma et les cinéphiles. Son film pourrait presque être vu comme un invitation à la vie, à découvrir les choses par ses propres moyens plutôt que derrière un écran. C'est là que revient mai 68, ce temps où les étudiants ont pris leurs destins en main et décider de crier haut et fort leur envie de vivre. Devenant des "héros" de l'histoire. Pour Matthew, Isabelle et Théo, il est alors temps d'en être aussi. Maintenant et tout de suite ! Devenant ainsi - et ironiquement - des personnages de films à venir sur cette période si singulière.

> Mostra de Venise 2003: avant-première
> European Film Award 2004: Nominations prix du public de la meilleure actrice, prix du public du meilleur réalisateur

Crédit photo: TFM Distribution

> L'histoire: Dans les années trente, des coups de feu retentissent un soir dans Dogville, une petite ville des Rocheuses. Grace, une belle femme terrifiée, monte en courant un chemin de montagne où elle fait la rencontre de Tom, un jeune habitant de la bourgade. Elle lui explique qu'elle est traquée par des gangsters et que sa vie est en danger. Encouragée par Tom, la population locale consent à la cacher, en échange de quoi Grace accepte de travailler pour elle. Lorsqu'un avis de recherche est lancé contre la jeune femme, les habitants de Dogville s'estiment en droit d'exiger une compensation, vu le risque qu'ils courent à l'abriter...

Lars Von Trier est un inconditionnel des trilogies. Après "E" centrée autour de trois films commençant par la lettre E et traitant de l'Europe et de la perte d'identité,  une autre intitulée "Coeurs d'or" contenant notamment le magnifique Dancer in the Dark, voici sa trilogie "Land of opportunity", axé autour des Etats-Unis. Elle regroupe, Dogville, sortie en 2003, Manderlay, sortie en 2005 et Washingthon, encore en préparation... Les premières minutes de Dogville suffisent à surprendre car rarement une oeuvre aura été aussi loin dans la théâtralité. Dogville suit les aventures d'une petite bourgade américaine, isolée de tout. Le jour où une jeune femme désespérée va débarquer en demandant de l'aide, tout va basculer. Ce petit village, on ne le verra jamais, du moins, pas vraiment. Car la particularité de Dogville, c'est qu'il se déroule tout du long sur une scène de théâtre où tout est suggéré ou presque. Il n'y a pas de vraiment de décors, tout au plus quelques accessoires vraiment indispensables (des lits, un bout de mur, une fenêtre...). Tout le reste n'est que traits visant à délimiter chaque maison. Si Lars Von Trier dépouille au maximum sa scène, il n'oublie pas que Dogville est un film et se doit ainsi d'être un minimum réaliste. Ce qui fait que nous ne sommes jamais vraiment dérouté, c'est que le réalisateur restitue tous les sons réels, tel que les bruits de pas sur du gravier, les portes qui se ferment ou les sons venant de l'horizon... Le but est de faire appel à l'imaginaire du spectateur. Pourquoi une telle mise en scène ? En choisissant de construire son film sur une scène de théâtre dépouillée, Lars Von Trier se montre particulièrement intelligent. Tout d'abord, car cette scène permet d'isoler au maximum ce village de n'importe quelle autre civilisation. Les murs sont noirs ou bleus, selon les heures de la journée, évitant aux spectateurs de s'attarder sur la vue et de ne s'intéresser qu'à ces personnages. Trois murs qui participent à l'idée d'enfermement. En arrivant dans le village, Grace pensera être enfin libre alors qu'elle entrera dans une nouvelle prison. Le spectateur, lui aussi prisonnier de ce décor, ne peut entrevoir d'échappatoire à sa situation, les murs remplaçant les paysages et les solutions. Autre utilité du plateau, c'est qu'il nous permet de tout voir simultanément, tel des voyeurs. On aperçoit ainsi toutes les habitudes des villageois mais aussi, lors de certaines scènes, ce qui se passe pendant que Grace subit l'enfer...

Dogville est un film assez atypique, de par sa mise en scène mais aussi, son histoire. Comme souvent, le réalisateur cherche à montrer les bassesses de l'être humain et de la civilisation. Ce qu'on nous montre au départ, c'est un charmant petit village, qui semble vivre en complète autarcie. Tom, le poète, organise régulièrement des débats, dont un sur l'égoïsme de ce village, incapable d'accepter un étranger. Lorsque Grace arrivera, tous feront l'effort de démonter les propos de Tom, en proposant à celle-ci de travailler avec eux. Mais ce qui au départ partait d'une bonne intention va vite se transformer en esclavagisme. Profitant de la faiblesse de cette jeune femme, tous les habitants vont se servir d'elle, pour des tâches ménagères ou pour assouvir un désir sexuel. Simple, il suffit de la menacer d'expulsion. Dogville est un film très noir, totalement pessimiste sur la nature de l'homme, même les plus doux se transformant peu à peu en bourreau. La grande force de ce film, c'est que malgré ses 3 heures, il arrive totalement à nous accaparer et à nous attacher à Grace. En neuf actes, il nous montre la dégradation progressive de l'état de cette belle et jolie jeune femme dans cette ville où les habitants ne sont que des animaux, réagissant par instinct. Et si l'on est attaché à elle, le résultat est dotant plus saisissant quand vient l'heure du dernier acte. Lars Von Trier nous livre un petit chef d'oeuvre, où Nicole Kidman trouve l'un de ses meilleurs rôles. Un film totalement captivant et saisisssant et une véritable leçon de cinéma. Dogville est tout simplement un très grand film.

> Présentation au festival international de Cannes 2003: sélection officielle - en compétition

> European film awards 2003: meilleur réalisateur, meilleur directeur photo / Nominations meilleur film, meilleur scénario

> Césars 2004: nomination meilleur film de l'Union Européenne

Crédit photo: Les films du losange