Sortie: 16 décembre 2009

> L'histoire: Max, un garçon sensible et exubérant qui se sent incompris chez lui, s'évade là où se trouvent les maximonstres. Il atterrit sur une île où il rencontre de mystérieuses et étranges créatures, aux émotions sauvages et aux actions imprévisibles. Les maximonstres attendent désespérément un leader pour les guider, et Max rêve d'un royaume sur lequel régner. Lorsque Max est couronné roi, il promet de créer un monde où chacun trouvera le bonheur. Max découvre vite toutefois que régner sur un royaume n'est pas chose aisée et que ses relations avec les autres sont plus compliquées qu'il ne l'imaginait au départ...

Peut-on vraiment s'en sortir après une collaboration - forcément déjantée - avec Charlie Kauffman, scénariste de génie et désormais cinéaste fou, ayant depuis quelques années secoué le monde magique de l'industrie hollywoodienne (sic) ? Mission accomplie pour Michel Gondry qui réalisa sous la plume de celui-ci Human Nature et l'incroyable Eternal Sunshine of the Spotless Mind où il imposait déjà sa propre patte en tant que réalisateur. Créant lui-même un univers singulier sur les bases mises en place par le dit Kauffman qu'il poussera plus loin encore, seul, lors de La Science des rêves et Soyez-sympas, rembobinez. Là réside donc tout le problème d'un cinéaste comme Spike Jonze qui, lors de ses deux longs métrages précédents, semblait tout simplement s'être fait vampiriser par Charlie Kauffman. Dans la peau de John Malkovitch et, plus encore, Adaptation - mettant en scène Nicolas Cage dans le rôle de Kauffman lui-même - semblant être avant tout des oeuvres de son scénariste. D'où l'excitation face à ce Max et les maximonstres, première oeuvre en solo du réalisateur, adaptant pour l'occasion le livre pour enfants de Maurice Sendak, best-seller international. Soit une oeuvre d'une dizaine de pages, aux illustrations développées mais à l'intrigue concise, qui mine de rien pouvait ne pas donner grand chose sur grand écran. Sauf que Spike Jonze a, avec lui, un studio généreux et une idée derrière la tête bien précise, développer l'intrigue familiale autour du personnage de Max avant de l'emmener dans le doux (?) pays des maximonstres. Embauchant pour l'occasion deux comédiens de la famille Kauffman/Jonze/Gondry (tiens donc !), sa muse Catherine Keener et le comédien Mark Ruffalo, l'un des rôles seconds rôles indispensables au charme d'Eternal Sunshine...


Tout commence par une course poursuite entre Max, petit garçon méché, habillé d'un costume de chat, et son pauvre petit chien, victime de la cruauté de l'enfant. Le ton est donné, le film respectera la trame du livre, donnant à voir ce fameux Max, enfant capricieux et excessif, doué d'une imagination débordante. Max est un solitaire malgré lui, réclamant un peu d'attention de la part de sa soeur et de ses amis, se prenant pour un grand avant d'en voir les revers - scène de l'igloo. Trouvant du réconfort dans les bras de sa mère qui l'écoute raconter ses histoires avec une joie non dissimulée. Quelques plans, quelques scènes et l'ambiance est donnée, Spike Jonze reconstituant brillamment les prémices d'une histoire familiale que l'on imagine pas forcément facile, dans laquelle le petit Max a évolué. Alors, quant un étranger débarque, rompant ce fragile équilibre, Max piquera une crise de nerfs, le poussant à quitter la maison et à se réfugier dans son imaginaire, s'inventant un monde dans lequel il pourrait être le roi, jonché de maximonstres. Dès lors, Spike Jonze construit son film comme un drôle de voyage initiatique, proposant non pas une oeuvre pour les enfants mais sur les enfants. Dans la tête de Max, tout ne tourne pas forcément rond, donnant au monde des maximonstres un côté à la fois rassurant et inquiétant, gentil et cruel. Par une suite de saynètes, on passe d'une fête dans la forêt à une bataille de boue qui, alors qu'elles commençaient bien, se terminent toujours dans la colère et les larmes. A ce titre, l'analyse de Spike Jonze qui découle petit à petit du film est intéressante, mettant en image la cruauté si connue - pour avoir travailler en centre aéré - des enfants. N'ayant pas encore conscience du bien et du mal. Le monde des maximonstres est à cette image, mettant en scène d'horribles monstres aux grands coeurs tout en étant extrêmement susceptibles et rancuniers. D'où le caractère dérangeant du long métrage dont l'on est bientôt incapable de dire à quel public il est adressé tant il arrive à mettre mal à l'aise même les plus grands d'entre nous.


Car Max et les maximonstres est un film qui, malgré son ambiance mélancolique et son côté très indé, déçoit rapidement avant de mettre carrément à côté. On est d'abord agacé par ce petit garçon, prototype même de l'enfant roi (mis en parallèle, ensuite, par le fait qu'il se déclare roi des maximonstres), peu aidé par les braillements incessants du jeune acteur Max Records, à la voix tout bonnement insupportable. Alors, quant à cela s'ajoute des maximonstres, au départ, très attachants puis vite très antipathiques, il est dur de se prendre de sympathie pour ce drôle de film qui à aucun moment arrive à nous replonger en enfance. Mais, plus encore, Max et les maximonstres souffre de ce qu'on pourrait appeler le "syndrome Darjeeling limited", découvert avec l'oeuvre de Wes Anderson. A savoir, se retrouver face à un film assez beau, que l'on aimerait aimer à tout pris mais, qui par sa froideur et son côté "huître - renfermer sur soi-même - empêche à tout moment de rentrer dedans. D'autant plus dommageable alors que la scène finale se révèle un bijou d'émotion dont on aurait aimer jouir depuis le début de l'oeuvre. A ce titre, Max et les maximonstres est un assemblage de bonnes attentions - un univers solide, une B.O magique signée Karen O and The Kids... - mais qui se révèle une lourde déception, de part son impossibilité à transmettre des émotions et son aspect boboïsant rapidement lassant. Ne vous fiez donc pas à son aspect "conte de noël", Max et les maximonstres n'est vraiment pas une oeuvre pour les enfants... Faudrait-il savoir encore à qui il s'adresse vraiment ?

Crédit photo: Warner Bros. Pictures

Sortie: 09 décembre 2009

> L'histoire: Un inconnu. Daniel, 35 ans, est poursuivi par un inconnu qui s'introduit chez lui régulièrement et l'espionne systématiquement. Comment ce garçon est-il entré dans la vie de Daniel ? Daniel lui-même ne s'en souvient pas. Un jour cet inconnu se poste devant lui, le regarde et lui dit : "Tu es l'homme de ma vie". Daniel le chasse. Une femme. Daniel vit seul, mais il va deux ou trois fois par semaine chez Sonia, cette femme qu'il persécute et idéalise en même temps. Il ne lui passe rien et vit dans une dépendance affective totale à son égard. Cette femme lui donne tout ce qu'elle peut mais elle travaille beaucoup, et a peu de temps pour elle. Elle veut aimer Daniel et vivre une vie autonome, un amour apaisé, mais il s'acharne à lui réclamer plus...

Une rame de métro. Des passagers comme vous et moi, probablement impatients de rentrer au chaud, alors qu'entre eux, voguant de siège en siège, une femme fait la manche. Demandant à qui veut bien l'entendre une petite pièce de monnaie. Le genre d'action malheureusement bien banale, d'autant plus quant il s'agit de la capitale parisienne. Jusqu'à ce que celle-ci décide de gifler une autre femme. Au hasard. Brutalement. Sans prévenir. Surprise, celle-ci descendra au prochain arrêt, se faisant dès lors presque agresser par Daniel, presser de connaître son ressentit envers cette soudaine violation de sa bulle privée... Là commence le nouveau film de Patrice Chéreau, proposant avec Persécution une drôle de chaîne passant de persécuteurs en persécutés. S'interrogeant, de manière plutôt appuyée, sur l'amour et l'amitié où chacun d'entre nous deviendrait, consciemment ou non, le persécuteur de quelqu'un. On y suit Daniel, donc, trentenaire borderline, peu sur de lui et réflexif maladif, passant de chantier en chantier histoire de combler une vie plutôt monotone. Amoureux transi de Sonia, femme volatile et souvent absente de part son travail, il ne peut s'empêcher de douter de la sincérité de leur relation, se prenant un peu plus la tête de jour en jour. Jusqu'à ce qu'un inconnu se mette à son tour à le persécuter, continuant cette inlassable boucle à laquelle personne ne peut échapper. De l'ami à la dérive prêt à s'accrocher à n'importe quelle bouée à la charmante serveuse qui ne cherche qu'à faire son boulot...


Tels des pantins sous le joug de Patrice Chéreau, le film s'organise autour d'une galerie de personnages assez éclectiques, faisant reposer la force de l'intrigue sur une direction d'acteurs implacables. De part son expérience dans le milieu théâtral, le cinéaste pousse ainsi à bout chacun de ses comédiens, permettant à notamment à Romain Duris de proposer une palette de jeu nouvelle, tout en dureté et en émotions contenues. Dommage alors que celles-ci ne transparaissent dans le récit, Persécution se révélant rapidement une oeuvre particulièrement froide, capable de laisser sur le bas côté. Car, non content de s'interroger sur l'amour et ses aléas, le réalisateur livre surtout un film plutôt bavard et assez pompeux. Chaque plan, particulièrement millimétrés, laissant chaque personnage se remettre en question, tel un grand ballet autoréflexif plutôt pesant. Bercé par une atmosphère dépressive, il est alors difficile de ne pas être oppressé soi-même... alors que seuls quelques instants de grâce nous permettront de reprendre une bouffée d'air frais. Car Patrice Chéreau n'est jamais aussi bon que lorsqu'il laisse l'inattendu survenir dans son récit, à l'image de cet accident de moto dont Daniel sera l'un des témoins, comme le croisement d'une autre existence dans celle auto-centrée de cet antihéros dans laquelle le spectateur n'est a aucun moment convié à entrer. Inutile de frapper trop fort, vous n'êtes vraiment pas les bienvenus...

1. Romain Duris: Paris / Et après
2. Charlotte Gainsbourg: Antichrist

Crédit photo: Mars Distribution

Sortie: 02 décembre 2009

> L'histoire: Il est capable de faire un discours étonnant sur la soul américaine à des écoliers éberlués, de se mêler de la vie privée de ses concitoyens, ou encore de faire jurer à sa fille de 18 ans que jamais, au grand jamais, elle ne quittera la maison familiale. C'est Simon Wolberg, maire d'une petite ville de province, amoureux fou de sa femme, père envahissant et fils provocateur ! C'est l'obsession de la famille qui porte cet homme. Qui le pousse à mettre à l'épreuve ces liens, à en vérifier la force et la fragilité...

A jamais, La famille Wolberg restera d'abord dans les mémoires comme la dernière oeuvre de Jocelyn Quivrin, décédé brutalement quelques semaines avant sa sortie en salle. Cela serait, bien entendu, cantonner le film à ce qu'il n'est pas, celui-ci n'apparaissant que brièvement, jouant le rôle de "catalyseur" sur cette famille en apparence si soudée mais dont les petits secrets ont fini par ronger chacun d'entre eux. D'abord, il y a ce père, Simon, maire d'une petite ville tranquille mais dont toutes les énergies ne semblent converger dans l'unique but de maintenir sa famille au dessus de l'eau. Comme un radeau auquel il s'accrocherait encore et encore dans l'espoir de ne pas sombrer totalement. Sauf qu'à trop vouloir aimer, Simon a tout simplement fini par étouffer tout le monde, poussant sa femme et ses enfants à aller voir ailleurs. Dans les bras d'un amant comme vers un futur mode de vie radicalement différent de celui en place. La vie de bohème au lieu d'un train de vie ordinaire. Comme un rejet des valeurs inculquées dès l'enfance. Et s'il se rend progressivement compte de ses erreurs, Simon préférera dans un premier temps feindre ses inquiétudes, s'enfonçant encore un peu plus chaque jour. On dit souvent que la famille, si elle est constituée des êtres les plus chers que l'on peut avoir, se révèle toujours l'entité capable de nous faire le plus mal, il en est ainsi dans La famille Wolberg, premier film délicat de la réalisatrice Axelle Ropert, jusqu'alors connue en tant que critique de cinéma. De son film se dégage une drôle d'atmosphère, mélancolique et nostalgique, tout en cultivant une série de contradictions tout à fait inattendues.


Car La famille Wolberg est avant tout une oeuvre toujours entre deux. Entre l'été et l'hiver. Théâtrale tout en cherchant le réalisme des situations. Donnant à voir une famille juive sans jamais faire de la judaïté un sujet en soit. Proposant à François Damiens et Valérie Benguigui leur premier rôle dramatique, eux qui étaient jusqu'alors enfermer dans le carcan de la comédie populaire. Résultat ? La famille Wolberg est une oeuvre inclassable, jamais vraiment gaie sans être pourtant totalement triste. On y vogue, comme suspendu au dessus de cette ligne que l'oncle et le neveu s'amusent à franchir. Passant de la réalité à la non-réalité. Charmant doucement par sa fragilité ambiante. Aux dialogues trop écrits se mêlent ainsi une justesse d'écriture quant il s'agit de décrire les liens familiaux, amenant progressivement une émotion prête à ne plus nous quitter. Plongé dans la campagne nordique française, La famille Wolberg nous trimballe pourtant dans une étrange ballade soul, au doux son de quelques standards américains. Et alors que l'anniversaire de l'aînée arrive, il se profile avec lui une série de tracas aux conséquences désastreuses, faut-il encore que l'un d'entre eux se décident à crever l'abcès. Attachant et plein de tendresse, La famille Wolberg se révèle ainsi une jolie surprise pour peu que l'on accepte de s'y laisser guider, où l'émotion, au départ pas forcément facile, se fait peu à peu de plus en plus sentir. Mine de rien, s'il pouvait paraître un peu léger, le film d'Axelle Ropert ne nous lâche finalement pas si facilement, marquant par le spleen et le côté folk qui s'en dégage, par la sensibilité de son interprétation, à commencer par la jeune Léopoldine Serre.

Crédit photo: Carole Bethuel

Sortie: 16 décembre 2009

> L'histoire: Malgré sa paralysie, Jake Sully, un ancien marine immobilisé dans un fauteuil roulant, est resté un combattant au plus profond de son être. Il est recruté pour se rendre à des années-lumière de la Terre, sur Pandora. Parce que l'atmosphère y est toxique pour les humains, des industriels ont créé le Programme Avatar, qui permet à des " pilotes " humains de lier leur esprit à un avatar, un corps biologique commandé à distance, capable de survivre dans cette atmosphère létale. Ces avatars sont des hybrides créés génétiquement en croisant l'ADN humain avec celui des Na'vi, les autochtones de Pandora.

A moins d'avoir vécu dans un caisson isolé depuis plus d'un an, impossible de passer outre le phénomène Avatar, nouvelle création de James Cameron, disparu de nos écrans après le succès mondial de Titanic. Il y a de cela onze ans. Avatar. L'oeuvre dont Steven Soderbergh déclarait n'avoir jamais rien vu de tel. Le film censé révolutionner le cinéma de demain. Celui dont l'acteur, Sam Worthington, jusqu'alors quasi inconnu, fut préalablement présenté au public sous l'égide de James Cameron himself lors de la sortie de Terminator Renaissance. Dont quelques minutes furent dévoilées à un public d'impatients lors d'un "Avatar's day", savamment organisé dans plusieurs cinémas, à des tranches horaires très étudiées. En somme, un véritable monstre médiatique, le genre à vampiriser totalement l'attention, encore et encore, jusqu'à sa date officielle de sortie. Oui, mais après ? Tout ceci n'était-il qu'un grand bazar afin de rentabiliser au plus vite l'un des films les plus chers de l'histoire du cinéma ? Ou le niveau est-il si élevé que cela ? Un peu des deux, il faut bien le dire, bien qu'Avatar restera surtout, et vraisemblablement, dans les annales comme l'un des grands précurseurs d'un certain cinéma (de divertissement, exclusivement ?) à venir. Car, il faut le reconnaître, la prouesse visuelle et technique du film est une véritable merveille, un choc en terme de qualité d'images et d'animation, comme on en avait peu vu auparavant.

Suivant un ancien marine paralysé, Jake Sully, Avatar nous plonge in media res dans un univers indéfini temporellement mais que l'on devine plutôt contemporain. Où les humains, dans l'espoir de sauver notre bonne vieille terre, détruite au fil des âges, décidèrent de dénicher ailleurs un minéral censé changer le cours des choses. Le tout étant encore de passer outre les Na'vi, population autochtone vivant sur celle-ci. A ce canevas assez simpliste, sur fond d'histoire coloniale, James Cameron y greffe une galerie de personnages conséquente dans le but de créer une multitude d'intrigues primaires et secondaires. Se regroupant progressivement. Et si la trame scénaristique principale ne se révèle pas très novatrice, se transformant de manière prévisible en une lutte à la David et Goliath, c'est que l'intérêt de James Cameron est ailleurs. Lui qui nous embarque dans un univers parallèle hallucinant et créer de toutes pièces, à la rencontre d'un peuple hors du commun. Il suffit pour cela de fermer les yeux et de se brancher à son avatar, ce qu'on se prendra inconsciemment à faire lors de la sortie de la salle. Créer afin de pouvoir vivre sur cette terre à l'atmosphère toxique, les avatars permettent à Jake Sully de retrouver virtuellement l'usage de ses jambes et de partir à la rencontre de ses fameux Na'vi. Découvrant toute une culture et des traditions, tel un anthropologue en puissance. Exécutant un grand saut dans un monde inconnu où le rêve prendra rapidement le pas sur la réalité, beaucoup moins attractive. De manière assez détaillée, le cinéaste nous donne ainsi à voir un univers magique où Na'vi et nature vivent en parfaite communion, Avatar se faisant instantanément un grand blockbuster écologique, idéal en cette période de réunion environnementale au sommet de Copenhague...

Si l'histoire n'est en rien révolutionnaire, elle qui ne fait jamais dans la complexité inutile, c'est que James Cameron semble avant tout vouloir revenir aux fondements même du cinéma: celui de proposer un divertissement sur grand écran, dans le but de distraire un public donné. Car Avatar est un entertainment de haute volée, un film qui redonne ses lettres de noblesse à une "forme" souvent décriée par la critique. Cela, grâce à une fusion entre le fond et la forme, l'un n'étant là que dans l'unique but de soutenir l'autre. Rien n'est ici fait de manière gratuite, le cinéaste ne cherchant jamais à en rajouter, que ce soit en terme d'effets spéciaux ou d'éléments scénaristiques inutiles. Il n'en a pas besoin, ce qu'il propose étant déjà assez grandiose. Et il faut bien le dire, Avatar est d'une beauté extraordinaire, a vous en donner les larmes aux yeux. En suivant Jake Sully, James Cameron nous navigue ainsi à vue à travers des paysages éblouissants, des arbres phosphorescents aux îles volantes, à la découverte d'une faune sauvage inconnue et imaginaire. Passant de corps réels (ceux de Sigourney Weaver ou de Sam Worthington) à des avatars virtuels, d'une ressemblance confondante. Et si l'usage de la 3D ne cherche jamais à en faire des tonnes, n'ayant pas pour but de vous envoyer un caillou en pleine tête, elle donne avant tout de l'ampleur au décor, renforçant la qualité visuelle de l'oeuvre. A ce titre, Avatar est vraiment un film à découvrir dans les conditions les plus optimales, en IMAX ou, dans tous les cas, en 3D, celui-ci proposant un univers visuel à la hauteur de ce qu'était, en son temps, les Star Wars de George Lucas. L'oeuvre qui restera, avec la trilogie du Seigneur des anneaux, comme LA fresque fantastique de la décennie, est, dans tous les cas, une belle réussite, un film que l'on aurait aimé découvrir à l'âge de dix ans, un dimanche, avec son père. Elle qui nous aurait alors ouvert les portes, au choix, d'une cinéphile à venir ou d'une imagination déjà débordante. Un divertissement, donc, pour grands et petits enfants où les 2h40 ne semblent durer que cinq petites minutes qui, s'il ne marque pas forcément sur le fond, reste vraiment, sur la forme, une énorme claque visuelle.

 

1. Sam Worthington: Terminator Renaissance
2. Sigourney Weaver: Soyez sympas, rembobinez
3. Giovanni Ribisi: Public Enemies

Crédit photo: 20th century fox