Sortie: 02 décembre 2009

> L'histoire: Il est capable de faire un discours étonnant sur la soul américaine à des écoliers éberlués, de se mêler de la vie privée de ses concitoyens, ou encore de faire jurer à sa fille de 18 ans que jamais, au grand jamais, elle ne quittera la maison familiale. C'est Simon Wolberg, maire d'une petite ville de province, amoureux fou de sa femme, père envahissant et fils provocateur ! C'est l'obsession de la famille qui porte cet homme. Qui le pousse à mettre à l'épreuve ces liens, à en vérifier la force et la fragilité...

A jamais, La famille Wolberg restera d'abord dans les mémoires comme la dernière oeuvre de Jocelyn Quivrin, décédé brutalement quelques semaines avant sa sortie en salle. Cela serait, bien entendu, cantonner le film à ce qu'il n'est pas, celui-ci n'apparaissant que brièvement, jouant le rôle de "catalyseur" sur cette famille en apparence si soudée mais dont les petits secrets ont fini par ronger chacun d'entre eux. D'abord, il y a ce père, Simon, maire d'une petite ville tranquille mais dont toutes les énergies ne semblent converger dans l'unique but de maintenir sa famille au dessus de l'eau. Comme un radeau auquel il s'accrocherait encore et encore dans l'espoir de ne pas sombrer totalement. Sauf qu'à trop vouloir aimer, Simon a tout simplement fini par étouffer tout le monde, poussant sa femme et ses enfants à aller voir ailleurs. Dans les bras d'un amant comme vers un futur mode de vie radicalement différent de celui en place. La vie de bohème au lieu d'un train de vie ordinaire. Comme un rejet des valeurs inculquées dès l'enfance. Et s'il se rend progressivement compte de ses erreurs, Simon préférera dans un premier temps feindre ses inquiétudes, s'enfonçant encore un peu plus chaque jour. On dit souvent que la famille, si elle est constituée des êtres les plus chers que l'on peut avoir, se révèle toujours l'entité capable de nous faire le plus mal, il en est ainsi dans La famille Wolberg, premier film délicat de la réalisatrice Axelle Ropert, jusqu'alors connue en tant que critique de cinéma. De son film se dégage une drôle d'atmosphère, mélancolique et nostalgique, tout en cultivant une série de contradictions tout à fait inattendues.


Car La famille Wolberg est avant tout une oeuvre toujours entre deux. Entre l'été et l'hiver. Théâtrale tout en cherchant le réalisme des situations. Donnant à voir une famille juive sans jamais faire de la judaïté un sujet en soit. Proposant à François Damiens et Valérie Benguigui leur premier rôle dramatique, eux qui étaient jusqu'alors enfermer dans le carcan de la comédie populaire. Résultat ? La famille Wolberg est une oeuvre inclassable, jamais vraiment gaie sans être pourtant totalement triste. On y vogue, comme suspendu au dessus de cette ligne que l'oncle et le neveu s'amusent à franchir. Passant de la réalité à la non-réalité. Charmant doucement par sa fragilité ambiante. Aux dialogues trop écrits se mêlent ainsi une justesse d'écriture quant il s'agit de décrire les liens familiaux, amenant progressivement une émotion prête à ne plus nous quitter. Plongé dans la campagne nordique française, La famille Wolberg nous trimballe pourtant dans une étrange ballade soul, au doux son de quelques standards américains. Et alors que l'anniversaire de l'aînée arrive, il se profile avec lui une série de tracas aux conséquences désastreuses, faut-il encore que l'un d'entre eux se décident à crever l'abcès. Attachant et plein de tendresse, La famille Wolberg se révèle ainsi une jolie surprise pour peu que l'on accepte de s'y laisser guider, où l'émotion, au départ pas forcément facile, se fait peu à peu de plus en plus sentir. Mine de rien, s'il pouvait paraître un peu léger, le film d'Axelle Ropert ne nous lâche finalement pas si facilement, marquant par le spleen et le côté folk qui s'en dégage, par la sensibilité de son interprétation, à commencer par la jeune Léopoldine Serre.

Crédit photo: Carole Bethuel

Sortie: 16 décembre 2009

> L'histoire: Malgré sa paralysie, Jake Sully, un ancien marine immobilisé dans un fauteuil roulant, est resté un combattant au plus profond de son être. Il est recruté pour se rendre à des années-lumière de la Terre, sur Pandora. Parce que l'atmosphère y est toxique pour les humains, des industriels ont créé le Programme Avatar, qui permet à des " pilotes " humains de lier leur esprit à un avatar, un corps biologique commandé à distance, capable de survivre dans cette atmosphère létale. Ces avatars sont des hybrides créés génétiquement en croisant l'ADN humain avec celui des Na'vi, les autochtones de Pandora.

A moins d'avoir vécu dans un caisson isolé depuis plus d'un an, impossible de passer outre le phénomène Avatar, nouvelle création de James Cameron, disparu de nos écrans après le succès mondial de Titanic. Il y a de cela onze ans. Avatar. L'oeuvre dont Steven Soderbergh déclarait n'avoir jamais rien vu de tel. Le film censé révolutionner le cinéma de demain. Celui dont l'acteur, Sam Worthington, jusqu'alors quasi inconnu, fut préalablement présenté au public sous l'égide de James Cameron himself lors de la sortie de Terminator Renaissance. Dont quelques minutes furent dévoilées à un public d'impatients lors d'un "Avatar's day", savamment organisé dans plusieurs cinémas, à des tranches horaires très étudiées. En somme, un véritable monstre médiatique, le genre à vampiriser totalement l'attention, encore et encore, jusqu'à sa date officielle de sortie. Oui, mais après ? Tout ceci n'était-il qu'un grand bazar afin de rentabiliser au plus vite l'un des films les plus chers de l'histoire du cinéma ? Ou le niveau est-il si élevé que cela ? Un peu des deux, il faut bien le dire, bien qu'Avatar restera surtout, et vraisemblablement, dans les annales comme l'un des grands précurseurs d'un certain cinéma (de divertissement, exclusivement ?) à venir. Car, il faut le reconnaître, la prouesse visuelle et technique du film est une véritable merveille, un choc en terme de qualité d'images et d'animation, comme on en avait peu vu auparavant.

Suivant un ancien marine paralysé, Jake Sully, Avatar nous plonge in media res dans un univers indéfini temporellement mais que l'on devine plutôt contemporain. Où les humains, dans l'espoir de sauver notre bonne vieille terre, détruite au fil des âges, décidèrent de dénicher ailleurs un minéral censé changer le cours des choses. Le tout étant encore de passer outre les Na'vi, population autochtone vivant sur celle-ci. A ce canevas assez simpliste, sur fond d'histoire coloniale, James Cameron y greffe une galerie de personnages conséquente dans le but de créer une multitude d'intrigues primaires et secondaires. Se regroupant progressivement. Et si la trame scénaristique principale ne se révèle pas très novatrice, se transformant de manière prévisible en une lutte à la David et Goliath, c'est que l'intérêt de James Cameron est ailleurs. Lui qui nous embarque dans un univers parallèle hallucinant et créer de toutes pièces, à la rencontre d'un peuple hors du commun. Il suffit pour cela de fermer les yeux et de se brancher à son avatar, ce qu'on se prendra inconsciemment à faire lors de la sortie de la salle. Créer afin de pouvoir vivre sur cette terre à l'atmosphère toxique, les avatars permettent à Jake Sully de retrouver virtuellement l'usage de ses jambes et de partir à la rencontre de ses fameux Na'vi. Découvrant toute une culture et des traditions, tel un anthropologue en puissance. Exécutant un grand saut dans un monde inconnu où le rêve prendra rapidement le pas sur la réalité, beaucoup moins attractive. De manière assez détaillée, le cinéaste nous donne ainsi à voir un univers magique où Na'vi et nature vivent en parfaite communion, Avatar se faisant instantanément un grand blockbuster écologique, idéal en cette période de réunion environnementale au sommet de Copenhague...

Si l'histoire n'est en rien révolutionnaire, elle qui ne fait jamais dans la complexité inutile, c'est que James Cameron semble avant tout vouloir revenir aux fondements même du cinéma: celui de proposer un divertissement sur grand écran, dans le but de distraire un public donné. Car Avatar est un entertainment de haute volée, un film qui redonne ses lettres de noblesse à une "forme" souvent décriée par la critique. Cela, grâce à une fusion entre le fond et la forme, l'un n'étant là que dans l'unique but de soutenir l'autre. Rien n'est ici fait de manière gratuite, le cinéaste ne cherchant jamais à en rajouter, que ce soit en terme d'effets spéciaux ou d'éléments scénaristiques inutiles. Il n'en a pas besoin, ce qu'il propose étant déjà assez grandiose. Et il faut bien le dire, Avatar est d'une beauté extraordinaire, a vous en donner les larmes aux yeux. En suivant Jake Sully, James Cameron nous navigue ainsi à vue à travers des paysages éblouissants, des arbres phosphorescents aux îles volantes, à la découverte d'une faune sauvage inconnue et imaginaire. Passant de corps réels (ceux de Sigourney Weaver ou de Sam Worthington) à des avatars virtuels, d'une ressemblance confondante. Et si l'usage de la 3D ne cherche jamais à en faire des tonnes, n'ayant pas pour but de vous envoyer un caillou en pleine tête, elle donne avant tout de l'ampleur au décor, renforçant la qualité visuelle de l'oeuvre. A ce titre, Avatar est vraiment un film à découvrir dans les conditions les plus optimales, en IMAX ou, dans tous les cas, en 3D, celui-ci proposant un univers visuel à la hauteur de ce qu'était, en son temps, les Star Wars de George Lucas. L'oeuvre qui restera, avec la trilogie du Seigneur des anneaux, comme LA fresque fantastique de la décennie, est, dans tous les cas, une belle réussite, un film que l'on aurait aimé découvrir à l'âge de dix ans, un dimanche, avec son père. Elle qui nous aurait alors ouvert les portes, au choix, d'une cinéphile à venir ou d'une imagination déjà débordante. Un divertissement, donc, pour grands et petits enfants où les 2h40 ne semblent durer que cinq petites minutes qui, s'il ne marque pas forcément sur le fond, reste vraiment, sur la forme, une énorme claque visuelle.

 

1. Sam Worthington: Terminator Renaissance
2. Sigourney Weaver: Soyez sympas, rembobinez
3. Giovanni Ribisi: Public Enemies

Crédit photo: 20th century fox

Sortie: 02 décembre 2009

> L'histoire: L'histoire d'un mystérieux homme solitaire, dont les activités restent en dehors de la légalité. Il est sur le point d'achever une mission, dont l'objet n'est pas dévoilé. A la fois concentré et rêveur, notre homme accomplit un voyage à travers l'Espagne, mais aussi à l'intérieur de sa conscience...

Autant être honnête tout de suite, je ne connais malheureusement que très peu le cinéma de Jim Jarmusch. Ce qui ne saurait tarder au vu de la rétrospective organisée en ce moment au Champo à Paris ou aux multiples dvd qui gisent sur les étagères de mes amis cinéphiles. C'est avec curiosité, donc, que j'ai découvert ses fameuses Limits of Control, un drôle de film contemplatif et particulièrement déconcertant. Le cinéaste y suit les errances d'un homme mystérieux (Isaach de Bankolé) à travers l'Espagne, à la mission inconnue et au control freak hallucinant. Répétant inlassablement les mêmes gestes, commandant deux expressos dans deux tasses séparées, allant au musée découvrir un et un seul tableau à la fois... Entre temps, il rencontrera sur son chemin un nombre impressionnant de personnages, aussi énigmatiques que lui, lui apportant à chaque fois une même boite d'allumettes (verte ou rouge) cessée le guider vers son objectif final. Comme si il dépendait d'une organisation plus grande dont il ne serait que le simple jouet. Ballotté de villes en villes, il nous emmènera alors avec lui dans sa balade mélancolique et fascinante, à la rencontre de paysages espagnols peu explorés cinématographiquement. Qui plus est par un cinéaste américain. D'ailleurs, The Limits of Control est avant tout une oeuvre qui réfléchit à ces fameuses limites du cinéma, à l'instar de cette mise en abyme orchestrée par Tilda Swinton. Perruque blanche et bottes léopards, celle-ci lui explique qu'elle n'aime rien de plus au cinéma que les films qui rendent compte d'une certaine époque, où les personnages ne parlent quasiment pas, avant qu'ils s'arrêtent tous les deux brusquement de parler créant un comique de situation particulièrement piquant. A l'image de cet humour froid qui viendra rythmer tout le film.


Là se situe l'intérêt principal de ce qui ressemble avant tout à un grand exercice de style, Jim Jarmusch embarquant dans son aventure ses amis comédiens, apparaissant chacun une dizaine de minutes, tout au plus. De Gael Garcia Bernal à Hiam Abbass. Car The Limits of Control s'inscrit avant tout dans un courant cinématographique particulier, démarré, majoritairement en Europe, à la fin des années 50. Ce qu'un grand philosophe, que l'on surnommera mister D., définira comme "l'image-temps". Dans ce corpus de films, les personnages ne sont plus dans l'action mais dans la contemplation d'un monde que l'on ne perçoit alors plus de la même manière après les massacres de la seconde guerre mondiale. En regardant The Limits of Control, on pense à La Notte, de Michelangelo Antonioni, où Jeanne Moreau, tel Isaach de Bankolé, errait dans les rues italiennes, sans destination particulière ou but précis. De ce postulat découle alors tout une imagerie cinématographique que prend le temps de récréer Jim Jarmusch, citant explicitement Le mépris de Jean-Luc Godard, proposant sa propre version de la femme fatale (Paz de la huerta, intégralement nue à chacune de ses apparitions), définissant chacun de ses personnages non pas par un nom mais par des petites habitudes (les lunettes, le cigare, les cafés, l'amour du cinéma...). Dès lors,  le cinéaste livre une oeuvre extrêmement minutieuse, reposant sur une mise en scène totalement contrôlée, aussi bien dans le choix des cadres que le moindre mouvement de caméra. Bercée par la musique magnétique de Sunn O))) et Boris. Un film exigeant, donc et, il faut bien le dire, passablement ennuyeux d'où émerge pourtant une réelle fascination, comme un voyage hors du temps dans les rues solaires d'une Espagne moderne. Etrange et envoûtant, monotone et apaisant.

Crédit photo: Le Pacte

COUP DE COEUR

Sortie: 11 novembre 2009

> L'histoire: Philippe Miller est un escroc solitaire qui vit sur les routes. Un jour, il découvre par hasard un chantier d'autoroute abandonné, arrêté depuis des années par des écologistes qui voulaient sauver une colonie de scarabées. L'arrêt des travaux avait été une catastrophe économique pour les habitants de cette région. Philippe y voit la chance de réaliser sa plus belle escroquerie. Mais son mensonge va lui échapper.

Dans Quand j'étais chanteur, Xavier Giannoli se prenait de passion pour un chanteur des villages, anti-héros contemporain mais toujours plongé dans un passé bien révolu. Bercé par des anciens tubes quasi has-been, cherchant maladroitement à rester éternellement jeune (Ah, les mèches de Gérard Depardieu). Dans A l'Origine, Depardieu est toujours là, campant un malfrat bientôt roulé par un petit escroc dans une France de 2009, touchée par la crise et le chômage. A la recherche d'une prochaine arnaque à monter, celui-ci se retrouvera dans un village isolé où git à ciel ouvert les restes d'un chantier inaboutit d'un tronçon d'autoroute. Conscient du magot que pourrait lui ramener une telle entreprise, celui que l'on prénomme désormais Philippe Miller se lancera sans tarder, sans penser, néanmoins, aux conséquences de son acte. Là réside toute la puissance du scénario de Xavier Giannoli, construisant son film sur un personnage entre deux, mi-héros, mi-voyou. Car en ré-ouvrant les travaux, Philippe redonnera de l'espoir à toute une population, dans l'attente, depuis bien trop longtemps, que quelqu'un vienne un jour les tirer de leur torpeur. Et alors que cela ne devait être qu'une escroquerie de plus, Phillippe, éternel solitaire, se prendra bientôt d'affection pour tous ces habitants, de Monika, jeune mère pauvre, alternant plusieurs jobs histoire de s'en sortir, à Nicolas, son petit ami ou Stéphane, la maire du village avec qui il nouera progressivement une relation. Jusqu'à ce que des rumeurs viennent circuler sur l'aspect légal des travaux, qu'un certain nombre d'incohérences soient peu à peu révélées, mettant Philippe au pied du mur, face aux nombreux mensonges qu'il a pu inventer dans son acte de bravoure.


Porté par un François Cluzet tout simplement hallucinant, apportant une douceur et une mélancolie magnifique à ce personnage décontenançant, A l'Origine fonctionne avant tout par la sympathie qui se noue petit à petit à celui-ci. Nous transportant avec vitalité dans un univers peu cinématographique, celui des chantiers d'autoroutes, des laves de goudrons et des tractopelles. En imposant une tension implacable et de plus en plus prenante, Xavier Giannoli nous entraîne alors littéralement avec ce personnage, A l'Origine se faisant de plus en plus émouvant. La moindre scène, de par son actualité brûlante, donnant lieu à une série d'émotions. A l'instar de ce réveil en fanfare des enfants de la ville, applaudissant chaudement à l'arrivée des machines, sonnant le début des travaux et une probable sortie de crise pour quelques uns d'entre eux. On dit souvent que le cinéma français agace dans sa capacité à toujours s'appuyer sur des histoires quotidiennes, n'explorant que trop peu les univers fantastiques. Quant il est grandiose, cela en devient une expérience intense et passionnante, comme peut l'être A l'Origine. En donnant la part belle à de jeunes comédiens, Vincent Rottiers et Stéphanie Sokolinski, plus connue comme chanteuse et sous le pseudonyme de Soko, mettant en scène une Emmanuelle Devos épatante, Xavier Giannoli livre un très grand film, une belle fresque humaniste alliant à merveille un magnifique casting et une histoire aussi solide que puissante. L'outsider français de Cannes aura en tout cas prouvé ici qu'il a tout d'un grand, s'imposant comme un des cinéastes les plus exaltants de sa génération.

Crédit photo: EuropaCorp