Sortie: 30 décembre 2009

> L'histoire: Paris, 1913, Igor Stravinsky (Mads Mikkelsen) présente le Sacre du Printemps à Paris, représentation houleuse à laquelle assiste la couturière Coco Chanel (Anna Mouglalis). Plusieurs années plus tard, suite à la révolution russe, celle-ci lui propose de venir vivre chez elle avec sa famille, le temps de retrouver l'inspiration... Commence alors une liaison passionnée entre les deux créateurs...

De Frédéric Beigbeder à Coco Chanel, il n'y a qu'un pas pour Jan Kounen, cinéaste français éclectique en perpétuelle évolution. Passant des immeubles high tech et autres soirées branchées à la maison de campagne d'une jeune couturière, bientôt spectatrice d'une romance aussi destructrice que salvatrice. Coco Chanel et Igor Stravinsky. Deux artistes de leur temps. L'une dans la mode, l'autre dans la musique, révolutionnant un art chacun de leur côté. Créant une nouvelle composition musicale ou un parfum à l'essence bientôt légendaire. Sans s'attacher pointilleusement à la relation naissante entre ces deux personnages, Jan Kounen fait d'abord le choix judicieux de se placer de trois points de vue différents: Igor, Coco et Catherine, la femme de celui-ci, spectatrice impuissante d'une attirance beaucoup plus physique qu'émotionnelle. Car alors que les enfants jouent dans le jardin, celle-ci guettera le moindre silence assourdissant, envahissant la maison à l'orée des ébats des deux amants. Et comment lutter contre une femme comme Coco, indépendante, libre et lumineuse quant on est soi même malade et à la charge de celui qui se dit encore notre époux. Dès lors, le cinéaste choisit de donner à Coco Chanel le mauvais rôle, celui de la mante religieuse sans scrupule, prête à tout pour assouvir ses désirs les plus bas... Pour la création ? Car là réside tout l'enjeu de l'oeuvre de Jan Kounen: donner à voir la naissance de l'acte créateur à travers celle d'une relation tumultueuse, de la passion puis la frustration créées par Coco Chanel chez Igor Stravinsky. Et alors que celle-ci se nourrit de son influence afin de faire évoluer sa ligne de vêtement, elle poussera volontairement le compositeur dans des souffrances les plus extrêmes, dans le but ultime de servir encore et encore ses compositions à venir. Ainsi, si l'on peut voir dans Coco Chanel & Igor Stravinsky une peinture peu reluisante de la créatrice, le film propose aussi une tout autre lecture et un autre portrait possible, faisant de Coco Chanel un être entier, prêt à tout pour l'acte créateur, quitte à en faire souffrir plus d'un...

Sur un rythme plutôt lent et au combien envoûtant - à l'image de ces multiples symboles psychédéliques reprenant les couleurs Chanel - et de façon tout à fait épurée, Jan Kounen évite avec intelligence le biopic pur au profit d'un portrait en filigrane, faisant d'Igor Stravinsky le miroir de la personnalité de Coco Chanel. Elle est une femme de prestance, imposante, sûre d'elle, à la manière dont elle capte instantanément son attention avant de lui proposer de manière très directe de s'installer chez elle. Indépendante et complètement libre, ne se souciant pas de ce que l'on peut penser d'elle, ni de ses actes. Elle est aussi une femme de caractère, ne faisant que ce qu'elle souhaite, provoquant sans complexe Stravinsky alors que son épouse l'attend à l'étage. Et, c'est quand celui-ci sombrera petit à petit dans les joies de l'alcool, s'enfermant progressivement dans sa musique - magnifiques séquences où l'on découvre un Stravinsky couché dans l'herbe, cherchant l'inspiration au milieu de la nature - que la figure de Coco Chanel explosera, elle qui apparaîtra alors comme une femme à la fois froide mais d'une grande détermination, soit une personnalité très complexe dont le succès professionnel et personnel n'est en fait que la suite logique. Dans ce rôle, Anna Mouglalis, elle-même égérie Chanel depuis plusieurs années, est à ce titre la perfection même, s'imposant à l'écran par son physique longiligne, sa voix grave et sa très grande prestance. Prenant l'ascendant sur son partenaire, le très attendrissant Mads Mikkelsen, attachant en petit homme pris dans les filets de l'araignée Chanel. Ainsi, si le film de Jan Kounen tisse les liens d'une attirance physique et intellectuelle, dénuée de sentiments, il en découle une oeuvre d'une grande froideur mais d'une élégance folle, à l'image de cette héroïne, de la marque qu'elle représente et des tenues si célèbres qu'elle crééra au long de sa carrière. Soit un long métrage particulièrement surprenant, d'autant plus venant de ce cinéaste ci - 99 F étant l'opposé même - bercé par une superbe composition musicale signée non pas Stravinsky mais Gabriel Yared...

Crédit photo: Wild Bunch Distribution

Et aussi, mention spéciale à Fish Tank / Le Bal des actrices / Le temps qu'il reste / Hadewijch / Vincere / Inglourious Basterds / District 9 / Bienvenue à Zombieland / Midnight Meat Train... Bravo à tous les participants (plus de 250 vus cette année, record battu), merci pour eux et vivement l'année 2010 ! Bonne fiesta !

Sortie: 02 décembre 2009

> L'histoire: Il y a maintenant plus de dix ans que le monde a explosé. Personne ne sait ce qui s'est passé. Ceux qui ont survécu se souviennent d'un gigantesque éclair aveuglant, et puis plus rien. Plus d'énergie, plus de végétation, plus de nourriture... Les derniers survivants rôdent dans un monde dévasté et couvert de cendre qui n'est plus que l'ombre de ce qu'il fut. C'est dans ce décor d'apocalypse qu'un père et son fils errent en poussant devant eux un caddie rempli d'objets hétéroclites - le peu qu'ils ont pu sauver et qu'ils doivent protéger. Ils sont sur leurs gardes, le danger guette, l'humanité est retournée à la barbarie...

Adapté de l'un des plus célèbres romans de Cormac McCarthy, prix Pulitzer 2007, La Route s'inscrit à merveille dans cette nouvelle mouvance cinématographique propre à la décennie, conséquence directe des traumatismes liés au 11 septembre 2001. A savoir ce qu'il se passe non plus pendant l'apocalypse mais tout juste après, que se soit à travers Les Fils de l'homme ou plus récemment, et de manière décomplexée, dans Bienvenue à Zombieland. Ici, impossible de savoir d'où est venue la menace. Est-ce une attaque terroriste ou un violence bouleversement climatique ? L'homme est-il dans l'histoire un bourreau ou une "simple" victime ? Suivant un père et son fils, revenus à l'état primitif, La Route se construit comme une sorte de road movie pédestre, traversant une Amérique ravagée et détruite, recouverte d'une cendre aussi omniprésente que pénétrante. Résultats d'un grand feu de joie ou résidu de peau humaine ? Hors de question de s'appesantir sur des questions de ce genre, l'apocalypse est ici un fait, le tout est maintenant d'y survivre. De manière moins prononcée que dans le livre, John Hillcoat donne ainsi à voir la "nouvelle" vie précaire de ce père et de son fils, répétant inlassablement les mêmes gestes chaque jour. Chercher à manger. Visiter quelques lieux abandonnés. Pousser encore et encore ce vieux caddie dans l'espoir, un jour, d'atteindre la mer. Trouver un lieu pour dormir. Rester le plus à l'écart possible des autres survivants, l'humanité n'étant plus tout à fait ce qu'elle était. Le cannibalisme ayant pris la place de tout autre comportement alimentaire, arrachant un peu plus encore les derniers êtres humains à leurs anciens modes de vie et codes moraux, disparus au même moment que la civilisation...
 

Là réside tout l'intérêt de La Route, oeuvre plutôt contemplative et répétitive, reposant uniquement sur ces deux êtres de la même famille, symbolisant à eux seuls les restes d'une humanité étriquée. Car alors que la majorité a fait le choix de laisser de côté ses anciens idéaux, ce père cherchera tant bien que mal à inculquer encore quelques valeurs à son fils, quitte à se retrouver parfois dans des situations complètement paradoxales. "On est les gentils, hein Papa ?" répète le petit en boucle. "Oui" lui répond t-il avant d'arracher les vêtements d'un homme totalement désemparé, comme une ultime tentative de survie. Continuant à lui lire des histoires, à éveiller son imaginaire avant de lui planter un flingue sur la tempe à la moindre menace, préférant le voir mourir de ses mains plutôt qu'avaler par quelques inconnus. A ce titre, qui de mieux que Viggo Mortensen pour incarner un rôle aussi complexe et ambigu, lui qui apparaît comme l'un des acteurs les plus sidérants de sa génération, impressionnant par sa large palette de jeu et d'émotions. Et s'il n'est pas un film totalement réussit, La Route reste néanmoins un exercice de style et une histoire aussi intrigante qu'envoûtante, nous plongeant dans ces paysages dévastés paradoxalement d'une pure beauté. Difficile de mettre en images un livre comme celui de McCarthy, John Hillcoat aura dans tous les cas eu le courage de s'y atteler même si sa Route manque souvent de souffle et de romanesque pour totalement nous fédérer.

Crédit photo: Metropolitan FilmExport

Sortie: 16 décembre 2009

> L'histoire: Max, un garçon sensible et exubérant qui se sent incompris chez lui, s'évade là où se trouvent les maximonstres. Il atterrit sur une île où il rencontre de mystérieuses et étranges créatures, aux émotions sauvages et aux actions imprévisibles. Les maximonstres attendent désespérément un leader pour les guider, et Max rêve d'un royaume sur lequel régner. Lorsque Max est couronné roi, il promet de créer un monde où chacun trouvera le bonheur. Max découvre vite toutefois que régner sur un royaume n'est pas chose aisée et que ses relations avec les autres sont plus compliquées qu'il ne l'imaginait au départ...

Peut-on vraiment s'en sortir après une collaboration - forcément déjantée - avec Charlie Kauffman, scénariste de génie et désormais cinéaste fou, ayant depuis quelques années secoué le monde magique de l'industrie hollywoodienne (sic) ? Mission accomplie pour Michel Gondry qui réalisa sous la plume de celui-ci Human Nature et l'incroyable Eternal Sunshine of the Spotless Mind où il imposait déjà sa propre patte en tant que réalisateur. Créant lui-même un univers singulier sur les bases mises en place par le dit Kauffman qu'il poussera plus loin encore, seul, lors de La Science des rêves et Soyez-sympas, rembobinez. Là réside donc tout le problème d'un cinéaste comme Spike Jonze qui, lors de ses deux longs métrages précédents, semblait tout simplement s'être fait vampiriser par Charlie Kauffman. Dans la peau de John Malkovitch et, plus encore, Adaptation - mettant en scène Nicolas Cage dans le rôle de Kauffman lui-même - semblant être avant tout des oeuvres de son scénariste. D'où l'excitation face à ce Max et les maximonstres, première oeuvre en solo du réalisateur, adaptant pour l'occasion le livre pour enfants de Maurice Sendak, best-seller international. Soit une oeuvre d'une dizaine de pages, aux illustrations développées mais à l'intrigue concise, qui mine de rien pouvait ne pas donner grand chose sur grand écran. Sauf que Spike Jonze a, avec lui, un studio généreux et une idée derrière la tête bien précise, développer l'intrigue familiale autour du personnage de Max avant de l'emmener dans le doux (?) pays des maximonstres. Embauchant pour l'occasion deux comédiens de la famille Kauffman/Jonze/Gondry (tiens donc !), sa muse Catherine Keener et le comédien Mark Ruffalo, l'un des rôles seconds rôles indispensables au charme d'Eternal Sunshine...


Tout commence par une course poursuite entre Max, petit garçon méché, habillé d'un costume de chat, et son pauvre petit chien, victime de la cruauté de l'enfant. Le ton est donné, le film respectera la trame du livre, donnant à voir ce fameux Max, enfant capricieux et excessif, doué d'une imagination débordante. Max est un solitaire malgré lui, réclamant un peu d'attention de la part de sa soeur et de ses amis, se prenant pour un grand avant d'en voir les revers - scène de l'igloo. Trouvant du réconfort dans les bras de sa mère qui l'écoute raconter ses histoires avec une joie non dissimulée. Quelques plans, quelques scènes et l'ambiance est donnée, Spike Jonze reconstituant brillamment les prémices d'une histoire familiale que l'on imagine pas forcément facile, dans laquelle le petit Max a évolué. Alors, quant un étranger débarque, rompant ce fragile équilibre, Max piquera une crise de nerfs, le poussant à quitter la maison et à se réfugier dans son imaginaire, s'inventant un monde dans lequel il pourrait être le roi, jonché de maximonstres. Dès lors, Spike Jonze construit son film comme un drôle de voyage initiatique, proposant non pas une oeuvre pour les enfants mais sur les enfants. Dans la tête de Max, tout ne tourne pas forcément rond, donnant au monde des maximonstres un côté à la fois rassurant et inquiétant, gentil et cruel. Par une suite de saynètes, on passe d'une fête dans la forêt à une bataille de boue qui, alors qu'elles commençaient bien, se terminent toujours dans la colère et les larmes. A ce titre, l'analyse de Spike Jonze qui découle petit à petit du film est intéressante, mettant en image la cruauté si connue - pour avoir travailler en centre aéré - des enfants. N'ayant pas encore conscience du bien et du mal. Le monde des maximonstres est à cette image, mettant en scène d'horribles monstres aux grands coeurs tout en étant extrêmement susceptibles et rancuniers. D'où le caractère dérangeant du long métrage dont l'on est bientôt incapable de dire à quel public il est adressé tant il arrive à mettre mal à l'aise même les plus grands d'entre nous.


Car Max et les maximonstres est un film qui, malgré son ambiance mélancolique et son côté très indé, déçoit rapidement avant de mettre carrément à côté. On est d'abord agacé par ce petit garçon, prototype même de l'enfant roi (mis en parallèle, ensuite, par le fait qu'il se déclare roi des maximonstres), peu aidé par les braillements incessants du jeune acteur Max Records, à la voix tout bonnement insupportable. Alors, quant à cela s'ajoute des maximonstres, au départ, très attachants puis vite très antipathiques, il est dur de se prendre de sympathie pour ce drôle de film qui à aucun moment arrive à nous replonger en enfance. Mais, plus encore, Max et les maximonstres souffre de ce qu'on pourrait appeler le "syndrome Darjeeling limited", découvert avec l'oeuvre de Wes Anderson. A savoir, se retrouver face à un film assez beau, que l'on aimerait aimer à tout pris mais, qui par sa froideur et son côté "huître - renfermer sur soi-même - empêche à tout moment de rentrer dedans. D'autant plus dommageable alors que la scène finale se révèle un bijou d'émotion dont on aurait aimer jouir depuis le début de l'oeuvre. A ce titre, Max et les maximonstres est un assemblage de bonnes attentions - un univers solide, une B.O magique signée Karen O and The Kids... - mais qui se révèle une lourde déception, de part son impossibilité à transmettre des émotions et son aspect boboïsant rapidement lassant. Ne vous fiez donc pas à son aspect "conte de noël", Max et les maximonstres n'est vraiment pas une oeuvre pour les enfants... Faudrait-il savoir encore à qui il s'adresse vraiment ?

Crédit photo: Warner Bros. Pictures