Sortie: 06 janvier 2010

> L'histoire: Séoul, 1975. Jinhee (Kim Saeron) n'a pas encore 10 ans quand son père la place dans un orphelinat. Commence alors pour une elle un tout nouveau départ, entre amitiés naissantes et séparations diverses, abandon et espoir d'une vie complètement différente...

Présenté hors compétition lors du dernier festival de Cannes, Une vie toute neuve, premier film de la réalisatrice Ounie Lecomte, s'apparente à une sorte de thérapie, la cinéaste y contant son histoire personnelle pour une plongée au coeur d'un orphelinat coréen. Présentant d'abord quelques brefs instants de la vie de Jinhee, Ounie Lecomte démarre très rapidement l'intrigue de son film, donnant à voir les préparatifs puis l'abandon de cette fameuse petite fille par un père visiblement à court de moyens. Occultant complètement la figure paternelle, à l'exception d'un dernier regard avant de disparaitre définitivement derrière les grilles, faisant alors du passé de Jinhee une figure fantomatique. Comme si l'on effaçait une ardoise avant de tout reprendre au début. Là est d'ailleurs le sujet central d'Une vie toute neuve ou comment faire de l'orphelinat un lieu entre deux mondes, entre l'abandon et l'adoption. Refusant complètement sa nouvelle condition, persuadée qu'il y a erreur sur la personne, Jinhee ne sera en ce sens pas une "pensionnaire" comme les autres, écartant totalement l'idée même de se retrouver dans une nouvelle famille. A la différence de ses camarades, prêtes à tout pour quitter cet endroit. Faisant de l'orphelinat un lieu d'errance, dans l'attente de quelque chose qui ne viendra peut être jamais... Dès lors, le film se construit autour de la figure de l'attente dans laquelle l'enfant se construit, des après-midi avec ses nouvelles amies, le vol de nourriture ou les soirées "voyance", les orphelins tirant chacun leur tour les cartes dans l'espoir d'entrevoir un bout de leur futur...


Là où on pouvait attendre d'Une vie toute neuve une oeuvre plutôt racoleuse et très noire de part la difficulté de son sujet, Ouine Lecomte évite au contraire tout effet dramatique inutile, livrant un film extrêmement sobre et empli de vie, reposant non plus sur les enjeux dramatiques mais sur la performance de sa très jeune actrice, Kim Saeron. S'attachant uniquement aux effets d'humeurs de la petite Jinhee... Une qualité comme un défaut, Une vie toute neuve se révélant un film dans lequel le spectateur se retrouve lui-même dans l'attente de quelque chose, guettant les moindres indices scénaristiques laissant entrapercevoir la suite de l'oeuvre - une des chansons. Et c'est lorsque la cinéaste sort complètement des sentiers battus, laissant de côté ses réserves personnelles, que le film prend de son ampleur, à l'instar de cette scène incroyable où, consciente du peu d'opportunité que peut lui offrir la vie, la petite Jinhee préfère faire l'expérience de la mort en s'enterrant vivante, laissant sa jeune actrice aux prises d'une séquence à la noirceur implacable. Avant de retomber peu à peu dans la modération. A ce titre, si Une vie toute neuve est une oeuvre qui, malgré la puissance de son sujet, n'arrive jamais vraiment à décoller, il reste néanmoins un film véritablement attachant, à l'image de cette charmante mais triste comptine entonnée à chaque départ de l'un des orphelins...

Crédit photo: Diaphana Films

Sortie: 06 janvier 2010

> L'histoire: Londres, 1818. Le jeune poète anglais de 23 ans, John Keats (Ben Whishaw), et sa voisine Fanny Brawne (Abbie Cornish) entament une liaison amoureuse secrète. Mais lorsque la mère de Fanny et le meilleur ami du jeune homme réalisent l'attachement qu'ils se portent, il est trop tard pour les arrêter...

Si elle reste à ce jour la seule femme à avoir été récompensé d'une palme d'or pour La leçon de Piano, Jane Campion ne se repose pas pour autant sur ses lauriers. Revenant cette année sur la croisette avec Bright Star, évocation partielle mais très fidèle de la vie du poète romantique anglais John Keats. La cinéaste y fait ainsi le portrait de deux jeunes créateurs marginaux que tout opposaient, Fanny, grande gueule et féministe avant l'heure, trouvant ses lettres de noblesse dans la couture, et John Keats, donc, homme fragile et timide, encore inconscient de son génie poétique. Deux personnes entières prêtes à se donner corps et âme dans le sentiment amoureux, quitte à s'y perdre eux-mêmes. Alors que la plupart des films tendent à mettre en scène la naissance du sentiment amoureux, Jane Campion fait elle le choix de s'intéresser à l'amour même, de ses beaux jours à la soumission qui en découle. Devenant pour chacun des personnages à la fois une délivrance et une profonde souffrance. Dès lors, tout est extrêmement pur dans Bright Star, la cinéaste faisant de l'amour l'élément essentiel de la vie de John et Fanny. Mais alors que celle-ci inspirera le jeune poète, elle sera aussi le catalyseur de tous ses maux, Keats ne trouvant hélas plus le temps d'écrire. Une histoire romantique à souhait avec laquelle Jane Campion ne fait pas forcément dans la dentelle, au point de facilement agacer les plus cyniques d'entre nous. Car Bright Star souffre malheureusement d'un scénario un peu maigre, reposant sur une succession de "je t'aime, moi non plus", passant de l'amour à la haine, de la haine à l'amour, de l'amour à... sur fond d'Angleterre du XIXe siècle...


Mais ce manque visible d'intrigue ne cacherait-il pas autre chose ? Car le nouveau Jane Campion est avant tout une oeuvre sensorielle plus que charnelle, donnant la part belle à la nature. En situant son histoire dans la campagne anglaise, la cinéaste néo-zélandaise met ainsi en place une mise en scène proche du Marie-Antoinette de Sofia Coppola, magnifiant la nature environnante et son calme apaisant. Renforçant le moindre son aux alentours, du vent sifflant dans les arbres aux piaillements des petits oiseaux. Ici, on se couche dans les champs de lilas violets. On monte dans les arbres, trouver l'inspiration. On se réchauffe dès le moindre rayon de soleil apparent. A ce titre, Bright Star est un véritable ravissement, une délectation visuelle où les tons pastels se mêlent aux couleurs vives des tenues de Fanny. Dommage alors que la cinéaste, parfaitement à l'aise quant il s'agit de créer des plans d'une beauté ravageuse, n'en fasse pas de même en ce qui concerne son scénario, Bright Star décevant prodigieusement de part sa redondance scénaristique, au bord de l'épuisement. Une oeuvre longue, donc, assez lente et bien trop chaste, paradoxalement assez peu passionnelle pour un film sur la passion amoureuse. Reste son couple d'acteurs, la belle Abbie Cornish qui fait ici office de véritable révélation et Ben Whishaw, confirmant tout le bien que l'on pensait déjà de lui.

> Festival international de Cannes 2009: en compétition

Crédit photo: Pathé Distribution

COUP DE COEUR

Sortie: 06 janvier 2010

> L'histoire: Bliss (Ellen Page), une adolescente rebelle vivant au Texas avec sa mère décide de participer à des concours de "Roller Derby" à Austin. Bliss va alors vivre des aventures passionnantes et très girly avec un groupe de filles tatouées.

Depuis ses quatre ans et son rôle si craquant dans le E.T. de Steven Spielberg, Drew Barrymore s'est toujours façonnée comme une personnalité joyeusement à part du système hollywoodien. Imposant ses rondeurs sans complexe dans une industrie très à cheval sur la minceur - maigreur ? -, ayant eu une adolescence particulièrement destroy, mettant des sous dans la production d'oeuvres auxquelles personne ne croyait jusqu'à ce qu'elles deviennent des objets de culte - Donnie Darko de Richard Kelly. Dire que son premier film en tant que réalisatrice lui ressemble comme deux gouttes d'eau n'est en aucun cas un euphémisme tant Bliss est exactement ce que l'on pouvait attendre d'une personnalité comme la sienne. Elle qui semble encore bien lovée dans sa bulle adulescente. Tout commence par un concours de beauté comme on en voit tant aux États-Unis, vantant les mérites d'une éducation digne de l'American Way of Life, produisant à la chaîne des petits monstres tranquilles et bien élevés. Jusqu'à ce que Bliss déboule sur scène, les cheveux malencontreusement bleus suite à un problème de teinture. Rejetant, dès lors, (in)volontairement les principes puritains prônés par sa mère. Rien de nouveau, donc, sous le soleil hollywoodien, Drew Barrymore s'inscrivant à merveille dans cette grande tradition des films adolescents où le passage à l'âge adulte s'accompagne souvent d'un rejet pur et simple des valeurs de la génération précédente. S'inscrivant aussi dans cette mouvance post "Festival de Sundance" et "Little Miss Sunshine", s'attachant à des personnages marginaux forcément bien plus cool que les autres...

Réunissant la crème des actrices américaines à la réputation déjantée et décalée, de l'incroyable Juliette Lewis - dont je suis une très grande fan aussi bien cinématographiquement que musicalement - à Zoe Bell - cascadeuse chez Quentin Tarantino et héroïne de son Boulevard de la mort - ou Kristen Wiig - présente dans presque toutes les comédies, Appatow compris - et Drew Barrymore herself, Bliss joue surtout du capital sympathie de son actrice principale, Ellen Page, et du succès de Juno. Elle y campe un personnage attachant et extrêmement similaire, tee-short rock, meilleure amie foutraque et langue bien pendue, rejoignant une équipe féminine de "Roller Derby". Soit un sport assez violent tout en étant ultra féminin, le genre de distraction qui nous donnerait presque envie de nous remettre au sport... Presque ! De quoi prévoir surtout un lot de situations aussi barrées que survoltées, mettant en avant un petit esprit "girl power" très bon enfant où l'homme n'a pas forcément le bon rôle et où la femme peut enfin assumer sa part de masculinité. Alors, évidemment, rien de bien novateur dans Bliss, Drew Barrymore déroulant une intrigue téléphonée et attendue. Reste que le film est avant tout un excellent feel good movie à la B.O rock salvatrice, le genre de moments idéals pour commencer l'année de bonne humeur. Et ça, ça n'a pas de prix...

Credit photo: Metropolitan FilmExport

Sortie: 30 décembre 2009

> L'histoire: Paris, 1913, Igor Stravinsky (Mads Mikkelsen) présente le Sacre du Printemps à Paris, représentation houleuse à laquelle assiste la couturière Coco Chanel (Anna Mouglalis). Plusieurs années plus tard, suite à la révolution russe, celle-ci lui propose de venir vivre chez elle avec sa famille, le temps de retrouver l'inspiration... Commence alors une liaison passionnée entre les deux créateurs...

De Frédéric Beigbeder à Coco Chanel, il n'y a qu'un pas pour Jan Kounen, cinéaste français éclectique en perpétuelle évolution. Passant des immeubles high tech et autres soirées branchées à la maison de campagne d'une jeune couturière, bientôt spectatrice d'une romance aussi destructrice que salvatrice. Coco Chanel et Igor Stravinsky. Deux artistes de leur temps. L'une dans la mode, l'autre dans la musique, révolutionnant un art chacun de leur côté. Créant une nouvelle composition musicale ou un parfum à l'essence bientôt légendaire. Sans s'attacher pointilleusement à la relation naissante entre ces deux personnages, Jan Kounen fait d'abord le choix judicieux de se placer de trois points de vue différents: Igor, Coco et Catherine, la femme de celui-ci, spectatrice impuissante d'une attirance beaucoup plus physique qu'émotionnelle. Car alors que les enfants jouent dans le jardin, celle-ci guettera le moindre silence assourdissant, envahissant la maison à l'orée des ébats des deux amants. Et comment lutter contre une femme comme Coco, indépendante, libre et lumineuse quant on est soi même malade et à la charge de celui qui se dit encore notre époux. Dès lors, le cinéaste choisit de donner à Coco Chanel le mauvais rôle, celui de la mante religieuse sans scrupule, prête à tout pour assouvir ses désirs les plus bas... Pour la création ? Car là réside tout l'enjeu de l'oeuvre de Jan Kounen: donner à voir la naissance de l'acte créateur à travers celle d'une relation tumultueuse, de la passion puis la frustration créées par Coco Chanel chez Igor Stravinsky. Et alors que celle-ci se nourrit de son influence afin de faire évoluer sa ligne de vêtement, elle poussera volontairement le compositeur dans des souffrances les plus extrêmes, dans le but ultime de servir encore et encore ses compositions à venir. Ainsi, si l'on peut voir dans Coco Chanel & Igor Stravinsky une peinture peu reluisante de la créatrice, le film propose aussi une tout autre lecture et un autre portrait possible, faisant de Coco Chanel un être entier, prêt à tout pour l'acte créateur, quitte à en faire souffrir plus d'un...

Sur un rythme plutôt lent et au combien envoûtant - à l'image de ces multiples symboles psychédéliques reprenant les couleurs Chanel - et de façon tout à fait épurée, Jan Kounen évite avec intelligence le biopic pur au profit d'un portrait en filigrane, faisant d'Igor Stravinsky le miroir de la personnalité de Coco Chanel. Elle est une femme de prestance, imposante, sûre d'elle, à la manière dont elle capte instantanément son attention avant de lui proposer de manière très directe de s'installer chez elle. Indépendante et complètement libre, ne se souciant pas de ce que l'on peut penser d'elle, ni de ses actes. Elle est aussi une femme de caractère, ne faisant que ce qu'elle souhaite, provoquant sans complexe Stravinsky alors que son épouse l'attend à l'étage. Et, c'est quand celui-ci sombrera petit à petit dans les joies de l'alcool, s'enfermant progressivement dans sa musique - magnifiques séquences où l'on découvre un Stravinsky couché dans l'herbe, cherchant l'inspiration au milieu de la nature - que la figure de Coco Chanel explosera, elle qui apparaîtra alors comme une femme à la fois froide mais d'une grande détermination, soit une personnalité très complexe dont le succès professionnel et personnel n'est en fait que la suite logique. Dans ce rôle, Anna Mouglalis, elle-même égérie Chanel depuis plusieurs années, est à ce titre la perfection même, s'imposant à l'écran par son physique longiligne, sa voix grave et sa très grande prestance. Prenant l'ascendant sur son partenaire, le très attendrissant Mads Mikkelsen, attachant en petit homme pris dans les filets de l'araignée Chanel. Ainsi, si le film de Jan Kounen tisse les liens d'une attirance physique et intellectuelle, dénuée de sentiments, il en découle une oeuvre d'une grande froideur mais d'une élégance folle, à l'image de cette héroïne, de la marque qu'elle représente et des tenues si célèbres qu'elle crééra au long de sa carrière. Soit un long métrage particulièrement surprenant, d'autant plus venant de ce cinéaste ci - 99 F étant l'opposé même - bercé par une superbe composition musicale signée non pas Stravinsky mais Gabriel Yared...

Crédit photo: Wild Bunch Distribution