L'équipe d'Extérieur Nuit est aux anges, la quantité de belles sorties de ce mercredi 27 janvier annonçant, plus encore que d'habitude, une excellente émission. Sur Radio Campus Paris, (93.9 FM), où les critiques pointues se mêlaient aux blagues vaseuses. Un vrai bonheur. Avec L., Rob et les autres, et en attendant le retour prochain de Jonathan, nous vous avons concocté un numéro tout à fait appétissant. La preuve ici.

Au programme:
 
* Yann, Thomas et Ben déclarent leur flamme à Bong Joon-ho, auteur du superbe Mother.
* Melissa et Thomas ont interviewé le réalisateur coréen et proposent un florilège de ses réponses.
* Ben, Suzanne et Lucile ont goûté la magie filmique et sonore du Ne change rien de Pedro Costa.
* Melissa et Thomas sont restés bien indifférents devant Le refuge ; face à eux, Xavier tente de défendre le dernier François Ozon.
* Yann et Xavier nous parlent d'Extérieur, nuit, film de Jacques Bral qui ressort cette semaine.
* Dans sa chronique Mangeons Dulion, Gautier regarde sous les burkas des filles.
* Lucile aime le In the air de Jason Reitman, ce qui n'est le cas ni de Lucie ni de Thomas.
* Avant de s'envoler pour Gerardmer, Perrine a interviewé le réalisateur américain.
* Pour François, Chaque jour est une fête... ; Lucie et Thomas sont légèrement plus mesurés.
* Lucile et Thomas sont retombés en enfance devant La princesse et la grenouille, un Disney pas révolutionnaire mais plutôt touchant.
* Gautier nous rappelle la ressortie du Théorème de Pasolini et nous enjoint à nous précipiter dans les salles.

Présentée par Gautier, l'émission est disponible ici.

PS : Gagnez des places pour les séances de l'excellent festival Voir l'invisible (du 3 au 9 février l'écran de Saint-Denis), en laissant un commentaire sur cet article.

Sortie: 20 janvier 2010

> L'histoire: 1967. Larry Gopnik, professeur de physique dans une petite université du Midwest, vient d'apprendre que sa femme Judith allait le quitter. Elle est tombée amoureuse d'une de ses connaissances, le pontifiant Sy Ableman. Arthur, le frère de Larry, est incapable de travailler et dort sur le canapé. Danny, son fils, a des problèmes de discipline à l'école hébraïque, et sa fille Sarah vole dans son portefeuille car elle a l'intention de se faire refaire le nez. Pendant ce temps, Larry reçoit à la fac des lettres anonymes visant à empêcher sa titularisation, et un étudiant veut le soudoyer pour obtenir son diplôme. Rien de grave, rien de grave...

Dans Fargo, Jerry Lundegaard, petit concessionnaire d'une banlieue américaine plutôt paisible tentait de se faire de l'argent en faisant kidnapper sa femme par une bande de branquignoles. Jusqu'à ce que tout tourne mal. Tout comme Llewelyn, dans No country for old men, lui qui tomba malencontreusement sur une mallette de billets, lançant instinctivement le fameux Anton à ses trousses. Steve Buscemi, lui, dans Paris, je t'aime n'était en réalité qu'un touriste comme un autre. Attendant désespérement son métro avant de lever les yeux sur ce couple de jeunes français. Quant au "Dude", seul le bowling et son tapis étaient importants à ses yeux, pourquoi a t-il fallu qu'on vienne troubler ce calme quotidien ? Ainsi soit-il, la vie n'est jamais de tout repos quant on est le (anti) héros d'un film des frères Coen. Eux qui se sont forgés une solide réputation par la création de situations toujours plus cruelles. Et ce n'est pas Larry Gopnik qui nous dira le contraire. Professeur de mathématiques à l'université, père d'une famille en apparence comblée, complètement à l'aise avec la religion juive, Larry est, à proprement parler, ce que l'on peut qualifier d'un homme bien. Jusqu'à ce qu'il refuse d'augmenter la note d'un de ses élèves, déclenchant une série de catastrophes toutes plus dramatiques les unes que les autres. Bien que ce fait n'est, en apparence, aucun rapport avec la suite des événements. Problème de voisinage, demande de divorce, soucis de santé, de boulot, de famille, Larry cumule ainsi un certain nombre d'embrouilles, lui qui n'a pourtant rien demander à personne. Totalement dérouté par ce qui lui arrive, celui-ci tentera alors de trouver un peu de réconfort auprès de plusieurs rabbins, tous plus incapables les uns que les autres de lui donner un conseil particulièrement utile...


Là est la grande force de ce Serious Man, nouvelle comédie dramatique dans la grande lignée de la filmographie des Coen, mettant aux prises cet attachant looser à une série de malédictions des plus cruelles. Lui qui, convaincu que les mathématiques peuvent tout expliquer, ne comprendra en réalité plus grand chose à ce qui se trame autour de lui. Pourquoi sa femme s'est-elle subitement entichée d'un ami de la famille ? Pourquoi sa fille s'obstine t-elle à se laver les cheveux tous les jours ? Pourquoi son frère n'arrive t-il pas à soigner ce satané kyste ? Pourquoi son fils court-il lors qu'il rentre à la maison ? Et pourquoi diable son voisin a t-il décidé de lui mener la vie dure pour des simples questions de largeur de terrain ? Plus les problèmes deviennent énormes, voir absurdes, plus le rire se fait doucement sentir, les frères Coen trouvant une inspiration dans l'inlassable création d'une loufoquerie et d'un surréalisme quotidien. Le tout parfaitement orchestré au son des Jefferson Airplane. Plongeant dans ce que l'on devine comme des souvenirs de jeunesse - impossible de ne pas voir les deux réalisateurs dans ces ados fumant des joints dans les toilettes du lycée -, Joel et Ethan Coen livre une oeuvre dans la parfaite continuité de cette thématique qu'il affectionne. Ou comment un pauvre innocent se retrouvera aux prises des aléas du destin. Persuadé que Dieu à son mot à dire dans l'histoire, le Larry du récit tentera par tous les moyens de redevenir un "serious man", mettant progressivement en exergue l'absurdité même de la religion. Reposant sur une succession de saynètes des plus incongrues, convoquant l'ombre de Kafka et son Procès, de Luis Buñuel et son Charme discret de la bourgeoisie - la répétition de cauchemars -, les frères Coen livre ainsi avec A Serious Man une oeuvre incroyablement foisonnante. Déroutant, parfois abscon, jouant souvent du non-sens le plus total, leur dernier long métrage se révèle à la fois d'une complexité et d'une limpidité parfaitement déconcertante, faisant de celui-ci l'une des oeuvres les plus intéressantes de ces deux cinéastes inépuisables et incroyablement prolifiques.

Crédit photo: StudioCanal

Sortie: 27 janvier 2010

> L'histoire: Décédé des suites d'une overdose aussi brutale que radicale, Louis (Melvil Poupaud), jeune homme plutôt aisé, laisse sur terre son amie Mousse (Isabelle Carré), tout aussi accro que lui. Elle est enceinte, lui s'en va. Complètement perdue, celle décide de partir se ressourcer le plus loin de Paris. Jusqu'au jour où son beau-frère Paul (Louis-Ronan Choisy) débarque...

Moins d'un an après son incursion dans le genre socialo-fantastique avec Ricky, François Ozon, réalisateur ultra prolifique, revient à la chronique humaine avec Le Refuge. Retrouvant un ton proche de son merveilleux Temps qui reste. Leur point commun évident ? Melvil Poupaud, homosexuel condamné dans ce dernier, figure fantomatique, riche camé mort d'une overdose ici. Vivant éternellement à travers le personnage de Mousse, jeune femme enceinte, progressivement délaissée par la vie. Partie se ressourcer dans une maison de campagne, celle-ci recevra bientôt la visite de Paul, beau-frère homosexuel, prêt à tout pour la soutenir dans cette épreuve. Partant de son unique envie de filmer une actrice enceinte, François Ozon embarque alors Isabelle Carré dans une sobre aventure à la limite de la contemplation, sorte d'observation scrupuleuse de cet événement qu'est la maternité. De corps en pleine mutation à ces humeurs changeantes. Brodant à la louche un scénario à cette fine trame de départ, le film donne lieu à une réflexion plutôt audacieuse non pas sur la maternité même mais sur le désir, principalement sexuel. Habituée à être au centre de l'attention, Mousse ne supporte en effet pas d'être vue comme une femme enceinte avant même d'être vue comme une femme, en venant inconsciemment à jalouser cette future progéniture qui grandit en elle. Femme-enfant, celle-ci ne rêve que de continuer à vivre comme avant, dans l'insouciance la plus totale. Des coups d'un soir aux sorties en boite à la prise de substances illicites. Ne supportant plus l'idée que ce gros ventre rond devienne le centre de toutes les convoitises, amenant les femmes à lui parler de leur expérience personnelle, attirant sexuellement les hommes troublés par l'idée même de la paternité...

Et puis, il y a Paul, bel éphèbe au corps doré, comblant doucement cette solitude installée depuis bien trop longtemps dans ce refuge lointain. Prenant doucement  place de Louis, disparu de manière ultra brutale. Homosexuel complètement assumé, il est un des seuls à la prendre pour ce qu'elle est, la question du désir étant, au premier abord, complètement neutralisé. Créant instinctivement une attirance très forte chez Mousse, de part cette barrière entre eux. Là s'arrête pourtant la réflexion de François Ozon, trop occupé à filmer ce(s) corps, objets sexuels ou témoins de la vie, au point de presque en oublier de raconter quelque chose. Là est la faiblesse de ce Refuge, chronique douce-amère ensoleillée, donnant la part belle à une Isabelle Carré rayonnante, sans portant arriver à transmettre la moindre émotion. Face à ce spectacle lumineux au ton, à contrario, profondément sombre, tout semble figé, à l'instar de son acteur principal Louis-Ronan Choisy, totalement mono-expressif. Et là où on pouvait s'attendre à une émotion contenue, Le Refuge se révèle au contraire une oeuvre incroyablement froide et finalement très insignifiante, à l'histoire bien trop attendue et mince pour nous embarquer complètement. Une déception donc pour ce nouveau François, capable d'une grande virtuosité quant il s'agit de filmer des scènes de boites de nuits, retombant dans une mise en scène plus insipide le jour... On a connu le cinéaste plus animé.

Crédit photo: Le Pacte

Mercredi 9 décembre. Charmant hôtel dans le quartier de Montparnasse. Soirée un peu particulière ce soir pour huit blogueurs, eux qui s'apprêtent à rencontrer le grand Bong Joon-ho à l'occasion de la sortie de son nouveau film, Mother. Deux groupes de 4 se succéderont devant un réalisateur coréen particulièrement accueillant, extrêmement ouvert et chaleureux malgré la barrière de la langue. Pour ma part, c'est avec Rob, pL et Chandleyr que j'ai effectué cet entretien. Tout cela grâce notamment à Florian et Jérôme pour l'organisation, ainsi qu'à l'interprète du cinéaste et à Caro pour ses photos. Merci aussi à Rob, retranscripteur officiel de l'interview qui suit...


> pL: D’où part l’idée du film ? Du personnage de la mère ?

Bong Joon-ho: Tout a commencé avec une actrice, Kim Hye-ja, qui m’a décidé à faire ce film. C’est une grande actrice, une icône en Corée du Sud. Je voulais l’utiliser de manière différente en lui faisant jouer quelqu’un de fou alors qu’elle était habituée à des personnages chaleureux, vertueux. Elle a toujours joué des rôles de mère, c’est un peu la « mère nationale » du cinéma coréen. J’ai voulu réexploiter cette figure en me concentrant sur la relation mère-fils. Si Hye-ja avait refusé le rôle, je pense que le film ne se serait pas fait. Je n’imaginais personne d’autre dans ce rôle-là.

> Rob: Plus qu’un film à suspense ou un portrait de femme, Mother est davantage un film sur la recherche de l’oubli...

Exactement. Le souvenir est une sorte de sous-texte du film. Le film est plein d’ironie : le fils oublie tous les éléments importants dont il devrait se souvenir ; en revanche, il se rappelle parfaitement ce qu’il aurait intérêt à oublier, notamment un traumatisme d’enfance.
Même si c’est complètement fictionnel, je parle dans le film d’un point d’acupuncture situé sur la cuisse qui nous permettrait d’oublier tous les mauvais souvenirs. Les médecins orientaux risquent de s’arracher les cheveux en voyant cela, mais c’est une volonté de ma part : je voulais montrer à quel point il est douloureux de vivre avec un souvenir qu’on veut effacer mais qu’il est impossible de faire fuir. D’où une scène où la mère se pique elle-même pour tenter d’oublier : le spectateur sait que c’est en vain, tant cette douleur est éternelle et sans issue.

> Melissa: L’humour occupe une grande place. Était-il important de le mélanger à d’autres genres, comme le thriller ou le polar ?

Dans la vie courante, y compris dans les moments les plus douloureux, il y a toujours des instants qui peuvent prêter à rire, même si cela peut paraître gênant de rire du malheur des autres. C’est pourquoi il y a beaucoup d’humour noir dans mes films. Mais je n’attache pas vraiment d’importance au fait que certaines personnes puissent rire à gorge déployée ou prennent ça à la légère. Je suis assez à l’aise avec ce genre de situation, je ne cherche pas à ce qu’une scène fasse absolument rire tous les spectateurs.
Par exemple, la scène où le fils casse le rétroviseur aurait pu être une scène de comique absurde, mais tout dépend de la manière dont on filme une scène. J’ai toujours envie de filmer de façon très réaliste et de ne surtout pas exagérer pour forcer le spectateur à rire.

> pL: Le film touche à beaucoup de genres. Y a-t-il un genre particulier vers lequel vous voudriez tendre ?

Pour moi, le genre n’est pas un but en soi. Ici par exemple, le but était avant tout de parler d’une mère qui se trouve prise dans des situations extrêmes. Cela m’a mis petit à petit sur le chemin du thriller. Même chose pour mes films précédents : pour The host, je ne me suis pas dit « je vais faire un film de monstres », etc… L’histoire et les personnages me guident, et le genre devient ensuite un moyen de raconter ces histoires. Cela m’amène donc à explorer beaucoup de genres différents. En revanche, il y en a un que je suis sûr de ne jamais aborder : la comédie musicale. Je déteste ça…


> Chandleyr: Que pouvez-vous nous dire de votre projet d’adaptation de la bande dessinée Transperceneige ?

J’ai beaucoup aimé Transperceneige. C’est un univers très spécial, unique, une sorte de SF sombre. En surface, mon adaptation sera très différente de mes précédents films ; mais en profondeur, pas tant que ça, car c’est un film qui parle de survie, de la condition humaine, de personnes ordinaires qui révèlent leurs véritables instincts une fois plongés dans des situations extrêmes. Ça se passe après la fin du monde : les survivants sont dans un train, se battent entre eux.

> Rob: Il y a une certaine poésie qui se dégage de vos films, et ce de façon permanente. Est-ce présent à l’écriture ou est-ce que cela est une conséquence naturelle du style qui est le vôtre ?

C’est assez dur pour moi de répondre car j’ai du mal à réaliser ce qui est vraiment poétique dans mes films. Je ne sais donc pas si c’est volontaire ou si ça vient de la forme que j’utilise. Mon premier souci, c’est la narration, à savoir comment raconter une histoire le mieux possible. J’espère réussir un jour un film extrêmement poétique, mais je ne sais pas si j’en serai capable. Je suis épaté par un film comme Elephant où l’histoire horrible n’empêche pas une certaine poésie de s’installer. Il faut un certain degré de maîtrise pour arriver à ce niveau-là.

> Mélissa: Comment vivez-vous l’accueil de vos films chez nous et quel est votre avis sur la diffusion et le rayonnement des films asiatiques en France et en Europe ?

Comme je ne travaille pas dans la distribution, je ne sais pas ce qui se passe en coulisses. Je sais que Memories of murder et surtout The host ont été bien distribués en France, mais que finalement ils n’ont pas très bien marché. La grande différence entre l’Europe et la Corée, c’est qu’ici il existe encore un marché du DVD alors que chez moi il s’est complètement effondré depuis quelques temps. Les films ont donc une deuxième chance d’approcher les spectateurs qui n’auraient pas vu le film en salles. Moi qui suis allé en Angleterre ou en Espagne pour la promotion de mes films, je peux affirmer que la France est un pays qui se porte bien, où l’on peut voir beaucoup de films étrangers. D’ailleurs la Corée a de plus en plus tendance, sans doute trop, à compter sur le marché français pour faire vivre ses productions locales.
Pour The host, le distributeur Ocean Films a sorti un grand nombre de copies, dont la moitié en version française. J’avais été très étonné d’apprendre qu’en France, on double les films étrangers. On m’avait alors expliqué qu’en province beaucoup de gens préféraient voir les films en français. Pour Mother, on m’a rassuré en m’apprenant qu’il n’y aurait pas de version doublée. Ravi de savoir qu’on a fait une exception pour moi. (rires)

> Chandleyr: Il y a actuellement, en particulier à Hollywood, une vraie folie autour des remakes de films asiatiques. Quel est votre opinion sur ce phénomène ?

Il y aura un remake de The host. Les droits ont été achetés par Universal et le film sera produit par Gore Verbinski. Il sera réalisé par Fredrik Bond, jeune anglais réalisateur de publicités. Personnellement, je n’y attache pas trop d’importance : j’ai tout donné à la société de production, c’est leur travail et pas le mien. Je suis assez philosophe. De deux choses l’une : soit le remake est génial et je serai fier d’avoir inspiré ce travail, soit c’est un gros navet irregardable et je serai content de me dire que mon film est le meilleur.
J’ai tellement d’histoires à raconter que les suites et les remakes ne m’intéressent pas trop en tant que cinéaste. J’ai toujours envie d’aller vers quelque chose de nouveau, d’essayer de réaliser encore un film avant de mourir. En ce moment, je travaille déjà sur le film qui suivra Transperceneige.

Critique en ligne demain soir.